Shrek por siempre (2010)

"Haz el rugido"

"Parece que el ogro verde ha vivido ya demasiado."

Hace muy poco escribí sobre como Dreamworks y su máquina de fantasías tiene problemas para crear historias que sensibilicen a la audiencia y tengan un lugar en el corazón de grandes y chicos a la vez (las comparaciones con el gigante Pixar son día a día más inevitables). También mencioné que cuando lo logran, suelen colgarse de ellas sin saber cuando detenerse, absteniendose de hacer un travesti de lo que quedará en el recuerdo de muchos espectadores niños como algo increible.

Y es así que llegamos a "Shrek por siempre", o "Shrek 4". Una nueva historia de amor para creer en uno mismo sin importar las apariencias. Este Shrek nos presenta lo que podría comprenderse como una realidad alterna, donde el deseo perseguido por el ogro verde es tener un día para si mismo sin preocuparse por su achanchada realidad como padre y estrella de Muy Muy Lejano.
Un escenario exacto al de Jimmy Stewart en la peli de Capra, "Que bello es vivir", y rehecho mil veces por mil películas distintas.

Rumpelstiltskin (en la voz de un tal Walt Dohrn, ignoto escritor que colaboró en las peliculas de Shrek y escribió varias historias para "El Laboratorio de Dexter" y "Bob Esponja") es el nuevo villano en esta última presentación, lo que le aporta cierta frescura a la serie.
Pero, a su pesar, Shrek no captura como solía hacerlo, y el deterioro de ideas y personajes es evidente en las distintas entregas de la saga.

Como una comedia romántica para niños y adultos, uno espera que Shrek aporte más que comedia escatológica, recursos reciclados y los mismos personajes de siempre pero reinventados en una trama intrascendente. Y es curioso, porque hay mucha risa, comedia y romance, pero uno termina de ver la película sintiendose en un de ja vu carente de muchas de las cosas que hicieron grandes a las otras películas. Falta la música, que ninsiquiera el Flautista de Hamelin al mejor estilo Jethro Tull logra reemplazar. Faltan referencias a la cultura pop y al público adulto para que este logre salir de la sala sintiendo que valió la pena. Faltan personajes memorables y situaciones verdaderamente comprometedoras y creativas en las que nos interese ver a Shrek.

Lo curioso es que ni el director ni los escritores de la historia de "Shrek 4" han tenido relación directa alguna para con las otras películas de Shrek, por lo que las leves sospechas se transforman en un dato concreto: La búsqueda de la similitud a las historias anteriores de Shrek y su estilo no son una coincidencia, nisiquiera son los mismos creadores los que copian las propias ideas que supieron producir en algun momento. Se trata de escritores y directores cuyas credenciales son por demás chistosas (y no en el buen sentido) a los que de alguna forma le cayó un gigantesco nombre del cielo. Este nombre significa una chapa importante para la audiencia, pero no quiere decir que solo por tener "Shrek" de nombre, la película podrá mantenerse en el tiempo.

Lo concreto es que, ordeñando su vaca de oro hasta el último momento, Dreamworks produce hastío más que una propuesta concreta y llena de ese buen corazón que caracterizó las previas aventuras en Muy Muy Lejano. El único sentimiento concreto con el que me fuí ha sido que por fin dejarán descansar en paz al ogro verde, y también a su ya gastada franquicia.

Tampoco es terrible: si tienen hijos, lograrán distraerse durante una buena hora y media. Si gustan de la animación, la proesa técnica y la calidad que ha puesto el estudio en la física de los personajes es impresionante, pero técnicamente se encuentran con tecnología vencida, un requisito indispensable para mantener el carisma de los personajes, pero que cuesta competitividad si no fuera por la gran "S" con el que venden la película.
Si desean una historia sencilla y con una moraleja evidente y literal, aquí la encontrarán. Pero no esperen recordar la cuatrilogía de Shrek como un evento memorable en el cine de animación moderno. Parece que el ogro verde ha vivido ya demasiado.

Veredicto: Alquilable

Cómo entrenar a tu Dragón (2010)

"¡Sólo señalaste todo de mí!"

"De las mentes creadoras de "Lilo & Stitch" (el mas grande éxito moderno de Disney) llega una película preparada para hacer frente a las vacaciones escolares y a la taquilla."

Hasta el día de hoy, la historia de Dreamworks es una historia de éxitos intermitentes - o de fracasos esporádicos, si se quiere ser pesimista -, si bien comenzó intentando captar al público en descubierta rivalidad con la megafábrica de éxitos Pixar - de ésta última estaba "Bichos", mientras la primera produjo "Antz"; "Nemo" con "A Shark's Tale" - pronto se dieron cuenta que no importaban las similaridades de las películas en cuanto a tecnología y escenario. Lo que captó y siempre captará a la audiencia infantil es una buena historia con la que los padres - siendo ellos los "consumidores activos" (que aportan la plata) - puedan identificarse en algún nivel.
Así se la han llevado regurgitando sus propios exitos - como Shrek (ya una cuatrilogía), Madagascar y Kung Fu Panda (pronto a estrenar su segundo capítulo) - timidamente apostando por nuevas producciones originales que les representen un mercado más significativo.

El último estreno de la Compañía, "Cómo entrenar a tu Dragón" es una apuesta en ese sentido. Basada en la homónima novela para niños de Cressida Cowell, la película se asegura una historia con personajes de carácter humano, para nada unidimensionales (los "malos" no son siempre malos, ni malos porque sí) y con los que la audiencia puede construir una relación de interés durante los 98 minutos que dura la película. La misma cuenta con Hipo, un introvertido muchacho vikingo que aspira a cazar dragones y que llega a encontrarse con uno de ellos, descubriendo que son más de lo que creen en su tribu.
Las voces, aportadas en parte por Jonah Hill (el gordito de "Supercool" y "Get Him To The Greek"), y Gerard Butler (Leónidas en "300") le dan un tinte divertido y épico -respectivamente- a la historia de estos barbáricos Vikingos.

Desde una perspectiva técnica, los sonidos y las texturas de los personajes y los ambientes se encuentran cada vez más logrados, aunque no se trata de ser precisos y realistas respecto a lo que sucede, debido a que debe conservarse la caricaturización del ambiente y los personajes para recordarnos que no es una película para adultos, ni "caracterizaciones" de la vida real, sino un dibujito animado en tres dimensiones preparado para entretener a niños y adultos (la opción en 3D siendo la recomendable para este tipo de películas).

Probablemente quienes lean la presente crítica no sean niños de 9 años, por lo que un padre preocupado si la película es apta para su hijo debe poseer una concreta respuesta: Si, la película entretiene y usted no va a aburrirse esperando a que termine, distraerá a los pequeños y los embeberá en una historia de autosuperación, ser uno mismo y poseer buenos valores (con los respectivos chascarros) junto a personajes queribles y que quedarán dandoles vuelta en la cabeza durante un tiempo.
De las mentes creadoras de "Lilo & Stitch" (el mas grande éxito moderno de Disney) llega una película preparada para hacer frente a las vacaciones escolares y a la taquilla. Quienes busquen una opción divertida y una decente película de animación la encontrarán aquí, pues no carece de acción y comedia.

Sin rivales considerables en las salas, "Cómo entrenar a tu Dragón" ha probado ser un éxito notable para Dreamworks (recaudando ya más de lo que costó producirla - US$ 155 millones -), por lo que se espera una segunda parte para 2013. Para ser justos con la alta calidad de películas de animación que pueden verse hoy en día, no creo que ésta sea una de esas películas que marcan un antes y un después en la vida de los jóvenes (sería muy injusto compararla con Toy Story), pero Dreamworks se acerca como ya lo hizo antes con su exitoso ogro verde, a ser uno de los grandes productores de historias para chicos en tres dimensiones de la actualidad. Aún así, le queda mucho camino por recorrer.

Veredicto: Buena

Piratas del Rock (2009)

"Esta canción es bastante larga, espero estar aquí cuando termine"

"La rebeldía, la intransigencia, el "hazlo tu mismo", la amoralidad, el sexo libre y las radios piratas. Todos tienen su espacio en esta lucha de 2 horas y media contra la burocracia y la censura de un gobierno "más papista que el Papa"."

Inglaterra en los 60's. Para los verdaderos fanáticos del Rock y el Pop, no hay nada más que agregar. Una pequeña isla en el Mar del Norte alguna vez supo ser hogar para un centenar de artistas y creativos que desarrollaron el arte de la música hasta extremos impensables hasta la fecha, y de allí supieron surgir una cantidad increible de géneros y subgéneros dentro del mismo recipiente, el cual ebuyecía y fue injustamente categorizado por muchos como "sólo rock & roll". Las implicancias históricas y culturales del fenómeno musical fueron entonces ignoradas en pos de la música y de la industria. "Los Piratas del Rock" viene, en cierto sentido y de su propia forma, a revindicar dicha cultura y a concientizar a los espectadores sobre el ya ¿perdido? espíritu que motivó la evolución cultural y social de la música.

La rebeldía, la intransigencia, el "hazlo tu mismo", la amoralidad, el sexo libre y las radios piratas. Todos tienen su espacio en esta lucha de 2 horas y media contra la burocracia y la censura de un gobierno "más papista que el Papa".

Su director es Richard Curtis, productor y escritor de "Mr. Bean" desde su creación hasta su última película; también y quizá más famosamente, fue responsable del guión para ambas películas de "Bridget Jones" y "Realmente Amor", su primer intento como director, lo que significa que "Los Piratas del Rock" es la segunda vez que ocupa la silla de director y escritor, aunque con una muy amplia experiencia bajo el brazo. Esto le valió la nominación para un premio de Oro en un ignoto festival realizado en Sant'Agata de' Goti (en Italia), pero perdio contra una película italiana... ¿sorpresa?.

En fin, en lo que a la película respecta, se nota ampliamente la influencia que tuvo Curtis de sus obras anteriores, acostumbrado a la comedia simplona, parece que escribió el resto del guión como marco para sus chistes, haciendo base en películas del mismo género que probaron haber tenido éxito significativo en el pasado, la primera que me viene a la mente es "Casi Famosos" (donde el mismo Hoffmann repite el rol de aficionado de la música) .No se trata en absoluto de una característica negativa: la historia es coherente y llevadera, los chistes son graciosos, y la música es excelente. Pero a pesar de sus dos horas de duración y de su elenco estelar, la película presenta un tono, una estética y un ritmo que tiende a caer hacia el final. Incluso, y a pesar de su estética frenética y alocada, fiel a los 60's, la película se diluye en una comedia romántica que no explota el potencial de sus más grandes artistas (Philip Seymour Hoffman - quien ha demostrado de sobra sus dotes humorísticos en "Mi Novia Polly"- , Bill Nighy - Una leyenda del cine Británico - , Nick Frost - Una promesa de la nueva comedia inglesa- y Kenneth Branagh -en su excelente rol de ministro-).

Cada vez que la historia se centraba en su "protagonista", un muchacho aburrido y socialmente impedido, y su fugaz enamoramiento, me encontraba ansioso de que el foco pase a algunos de los mencionados, o que al menos tuviera una interacción con ellos. Creo que Curtis (el director) se dió cuenta de ello y por ende, el film parece no tener un balance concreto en lo que respecta a sus personajes: intenta ocuparse de todos y ninguno a la vez.

Lo mismo me sucedió con la música, si bien la película se trata sobre una Radio Pirata y sus encontronazos con el Gobierno, también trata comedia, romance y algo de drama, todo lo que parece sobrevolarse de forma superficial, y el mismo problema con los personajes surge aquí: Intenta ocuparse de todos y ninguno a la vez. Dos horas parece mas que suficiente, y la película trae a colación grandes temas y bandas de los 60's, dandole lugar a íconos como The Who, The Troggs, David Bowie, Jimmi Hendrix, The Kinks, etcétera. Pero los temas pasan fugazmente, y para disfrutar de la música uno debe recurrir a la banda de sonido de la película, alegremente integrada por dos discos muy completos.

Como obra de una cultura pirata (léase: dominada por el pueblo), que finalmente conquistó la industria y pasó a transformarse en la Industria misma, no sorprende que la película haya representado una pérdida para sus inversores -costó US$ 50 millones y lleva recaudado menos de US$ 40 millones a pesar de haberse estrenado hace más de un año-, pero para los piratas mismos (léase: todos nosotros), es positivo que la película haya visto la luz del día, mas no sea para los amantes de la música de la época o de una buena risa un Viernes por la noche; aunque la ironía persiste: desde un medio que ES la Industria, se producen declaraciones pro-libertad, contra el conservadurismo y la Industria.
Pero, como se ha dicho, para quien no desea (y se que la mayoría de ustedes no lo quieren) hacer un análisis desde ese punto de vista - aunque juzgo que mantiene encendido el espíritu representado en la película mucho mejor que la película misma - se trata de una buena película que tendrá una trascendencia proporcional al gusto musical del espectador.


Veredicto: Buena (Muy Buena si aprecia la música)

Penelope (2006) / Argentina: 2009

"No es el poder de la maldición, es el poder que tu le das a la maldición"

Algunas veces, uno tiene la desgracia de llevarse del cine un sabor amargo que ni la coca mas dulce por mas lavada y llena de hielo que se encuentre puede sacar. Otras veces, las pequeñas sorpresas y alegrías se encuentran en aquellos por quienes no apostabamos ninguna ficha.

Penelope (Christina Ricci) es una joven aristócrata viviendo en una tierra de fantasía donde las calles centricas de Nueva York se mezclan con los barrios de Brooklyn y las mansiones inglesas. La postal de la ciudad en la que se desarolla su historia es un collage de fantasía y realidad donde las brujas y las maldiciones son tan reales como el mercado cambiario y los papparazzis.
Habiendo, pues, sucumbido a la maldición de una bruja puesta en su familia hace cientos de años, Penelope nace con orejas y nariz de cerdo; un estigma que la acompañará durante toda su vida hasta la posibilidad de encontrar alguien que la acepte por como es.
Tarea que recae sobre su madre ansiosa (Catherine O'Hara), quien esta obsesionada por darle a su hija una vida normal. Para ello finge su muerte y la encierra en su habitación; haciendole conocer pretendientes a través de un vidrio espejado.

En su primer obra para la pantalla grande, la escritora Leslie Caveny toma prestados elementos estilísticos de muchos otros artistas; en mi opinión los trazos mas grandes son de Jean Pierre Jeunet. Sobre todo en lo que representa la primer mitad de la película. La estética, inocencia y gracia con la que deciden contar la historia de Penelope son dignos de admiración; y si bien no es que nunca se hayan visto, al menos estan cuidadosamente reproducidos en las casi dos horas que dura esta historia. Excepto el final: sin arruinar nada, ya llegaremos a él.

Es refrescante observar una verdadera comedia romantica donde existe romance y existe comedia. La dulzura del personaje, expresado en gran medida a traves de los ojos de Christina Ricci da cuenta de una gran versatilidad de la actriz para papeles sencillos pero que a la vez estan llenos de sentimientos encontrados que apuntan a una audiencia de niñas y adolescentes que seguramente sabran sacarle jugo a los mensajes de ésta película.



Ricci y McAvoy tienen en pantalla una relacion totalmente creible, que inspira confianza y dulzura; si bien no se trata mas que de un cuento estilo Cenicienta, son estas relaciones proyectando calidos sentimientos al expectador las que proveeran una base solida para la película.

Tal vez el humor, la mayoría en manos de Peter Dinklage (la mayoría lo recordarán de "Muerte en un Funeral") es uno de los aspectos mas descuidados de la película; las situaciones graciosas son graciosas, pero tienen mas que ver con la forma que utilizan los actores para expresarlas que las situaciones en si, que son mas bien burdas y predecibles.
Como anticipaba anteriormente, el otro aspecto negativo de la película es el final. Ciertamente me sentí perdido por como terminaron de desenvolverse los acontecimientos en los últimos 20 minutos de la película, donde la misma ya se sentía demasiado larga. La confusión y la poca claridad en cuanto a los personajes y sus destinos toma lo que podía haber sido una culminación que la película venía planteando y la descarta en favor de la moraleja y el final feliz tradicional.

Lo más positivo de la película creo encontrarlo en como apela a la bondad de los sentimientos humanos; cuando la mayoría elije mostrar una bondad superficial y una maldad inherente, "Penelope" recuerda que "la belleza es superflua" y tambien lo es el mal, mientras que la bondad es inherente a la humanidad. Así en el cuento no existen malos ni buenos, solo seres humanos.

Un mensaje positivo de los que no suelen estar de más; y una moraleja que apunta especialmente a las chicas adolescentes. Sería una gran película si mantuviera la frescura de los primeros quince minutos.

Veredicto: Alquilable

Katyn (2007) / Argentina: 2009

"El Ejercito Rojo es tu único amigo"

El 1ro de Septiembre de 1939, Alemania ingresó en Polonia, motivando la Segunda Guerra Mundial. 16 días después, el ejercito ruso ingresó en Polonia; los ejercitos no se atacaron entre ellos, sino que dividieron el país tras un pacto firmado entre Von Ribbentrop y Molotov.

En Abril de 1943, los Rusos denunciaron haber encontrad los cuerpos de "unos 8 mil soldados" polacos en fosas comunes, culpando directamente al Regimen Nacional Socialista por la matanza. Propaganda fue elaborada al respecto por ambos bandos, lo que eventualmente fue necesario para convencer a miles de voluntarios polacos unirse al ejercito rojo retirando a las fuerzas alemanas del territorio, formando la República Popular de Polonia.

¿Por qué la clase de historia? Bueno, es bastante dificil comprender lo que sucede en la película de otra manera. Es justo que Andrzej Wajda, en el ocaso de su carrera, espere de los espectadores de sus filmes cierta retribución, cierta cultura general. También es probable que no espere nada; una vez más: los grandes cineastas hacen películas primero para ellos. Luego para los demás.

Una vez uno de los grandes cineastas europeos, y hoy por hoy una leyenda del cine mundial, Wajda, pisados ya los 83 años, superviviente de la Segunda Guerra Mundial y de la Polonia socialista, se da el gusto de pagar una deuda personal con su pueblo, mas también consigo mismo. Su padre fue una de las victimas del bosque de Katyn.

Así como lo ven, "Katyn" cuenta la historia de los sucesos alrededor de la mayor masacre en la historia moderna de Polonia. Veintidos mil militares e intelectuales fueron masacrados como ganado y enterrados en los bosques de Katyn.

El director elije contar la historia de la masacre de Katyn haciendo base en el relato del capitan Andrzej un militar polaco que debe su promesa a la patria por sobre su familia mas no sobre su honor. No se trata aqui, sin embargo, del desarrollo metódico de la historia de éste personaje; ya que, si se quiere, no es mas que el narrador del suceso. Se trata de las historias de los soldados anónimos que perecieron allí. Efectivamente, el guión cambia su foco en repetidas oportunidades, debo admitir que son muchas las ocasiones en las que me encontré confundido con los personajes mientras que se intenta abarcar varios personajes que gravitan sobre el suceso. Eso sí: Sus familias, la desazón, la desesperanza y el deseo de sobrevivir se encuentran retratadas magnificamente. Podemos decir que los actores polacos de éste film, si bien desconocidos, son grandes artistas.

Andrzej cuenta con precisión fáctica las horas en las que son capturados, llevados de aquí para allá, eventualmente dejando el resto de su agenda en blanco: el espectador sospecha lo peor, y no es para menos; la historia de los bosques de Katyn es terrible y sigue pesando en los brazos del pueblo polaco. El afan fáctico de Wajda así lo demuestra, pero como todo, debe existir en armonía y balance. El director la logra a partir de las historias que decide contar, motivando los sucesos con la incesante música y la imparcialidad de los personajes. En su proceso, decide sacrificar el desarrollo de los mismos a nivel personal. Sacrificio que molesta pero se entiende necesario pues no son las personas en sí sino su rol en cuanto a los eventos de la ciudad de Smolensk lo que elige retratar.

La película pinta la tragedia de varias generaciones de polacos y hace entender al mundo la posición de Polonia frente a los eventos sucedidos en 1940, además de sus consecuencias catastróficas para la estabilidad civica y cultural del país. Lo que pide a cambio del expectador es conciencia y cultura. Nominada al Oscar en 2008 como mejor película extranjera y ganadora de 12 premios, incluyendo el Globo de Oro a mejor película europea, "Katyn" requiere paciencia e interés por la historia europea. Miles son los filmes que recuentan historias de la 2da Guerra, mas ninguna pone foco en la brutalidad sovietica indistinta de la alemana, y en las devastadoras consecuencias para los pueblos que entre ambas maquinarias se disputaban.

Sean los burocráticos asesinatos del regimen sovietico o la brutalidad procesal de los alemanes, Polonia sufrió indistintamente ambas facciones, y el deseo de concientizar al mundo de ello se encuentra excelentemente plasmado en la obra de Wajda.

Veredicto: Recomendable (si gusta de la historia mundial)

Ponyo en el acantilado (2008) / Argentina: 2009

"Bienvenidos a un mundo donde todo es posible"

Cuatro años ya pasaron desde la última vez que escuchamos en Occidente el nombre de Hayao Miyazaki. La última vez se trató de la historia de un joven mago y su castillo movil, que en su paso cosechó 14 nominaciones, incluyendo el Oscar a la mejor película animada, y 8 premios en todo el mundo.

Este 2009 trae luz con la nueva expectativa de presenciar una nueva obra maestra de uno de los cineastas de animación mas importantes de todos los tiempos. "Ponyo" se estrena pronto en Argentina, luego de haber abierto y cerrado festivales de cine de todo el mundo, y en este caso haber juntado 3 nominaciones y 6 premios de distintas academias de cine; apelando a una narrativa poco convencional para lo que Miyazaki nos ha acostumbrado en occidente, "Ponyo" cuenta la historia de un pequeño, adorable y antropomorfo pez dorado, hija de una diosa y un desconfiado ex-humano que abandonó su raza para convertirse en un hechizero del mar, y un niño de cinco años que salva su vida y promete cuidarla para siempre.

Esta película apela ciertamente a las costumbres más tradicionales de la vida isleña en Japón; pero también presenta una visión a través de los ojos de estos seres infantiles que agota toda capacidad para creer en la inocencia y la bondad. El mundo de "Ponyo" esta pintado de colores pastel, las formas redondeadas y adorables de los personajes nos mueven a la ternura, y la historia se presenta de forma tan sencilla como para que pueda ser disfrutada por los mas chicos, a quien parece sin duda que ésta película esta dedicada.

Pero como todas las obras de Miyazaki, pueden realizarse conceptualizaciones abstractas de pequeños detalles que facilmente pueden escapar a la vista de cualquier espectador, sin importar su edad. No son tantas, ni tan sutiles como en otras peliculas del autor, pero estan allí: El delicado balance de la naturaleza, la bondad inherente de la humanidad, la relación (altamente contaminante) del hombre con la naturaleza, el mar y sus propiedades cuasi mágicas, y cómo una pequeña modificación en el ecosistema puede afectarnos gravemente, en el caso de la película, en forma de crecimiento de mareas, tsunamis y desbalance de la polaridad magnética de la tierra por el crecimiento de mareas que causa inconvenientes con la orbita lunar.

Todo esto a través de un colorido prisma donde la creación poco se diferencia de la destrucción, la magia esta a flor de piel, y la fantasía nos pide la suspención de todas nuestras prerrogativas de "madurez", buscando en nuestro interior la inocencia que transmite lo que es basicamente una tierna historia de amor entre dos criaturas de 5 años. Por un lado el inherente y esperable egoísmo y visión de burbuja de Ponyo, enfrentada a la madurez responsable de Sosuke quien debe cuidar no solo del pez dorado, sino de su irrefrenable madre, de su padre ausente y de la relación que ambos intentan sostener.

Aún animada, dirigida, y escrita por Miyazaki, la historia se desenvuelve en tumbos y deja graves cuestionamientos una vez que ha terminado. Hay ciertas tramas que se plantean que no se resuelven y mi sensación fue la de franca extrañeza por lo limitado que resultó ser algo que se desarrolló hasta último minuto con tanto potencial. Entiendo que la idea de la película es presentarla a los niños, pero la inocencia y la ternura corroen la lógica narrativa presentada dentro de la película, y es una falta que no puedo dejar de señalar: esta película no es perfecta, ni tal vez cumple con todas las expectativas.

Insisto sin embargo, en la espectacular animación (a mano) que nada tiene que envidiarle a las mas grandiosas películas en 3 dimensiones de hoy en día. La complejidad del arte del dibujo hace toda su presencia aquí en ciertas escenas llenas de detalle que mi mente no puede dejar de fascinarse pensando que cada pequeña botella, cada pez, cada animal marino (y de ellos hay cientos en escena a la vez) fue dibujado con paciencia y cuidado. La perfecta música del gran Joe Hisaishi, que trabaja mano a mano con Miyazaki desde "Nausicaa" genera una atmosfera que es esperable ya en estas películas; su increible calidad le ha valido el premio al Mejor Compositor en los premios de Asia 2009.

La increible inocencia y ternura de ésta historia, la misma que hace sufrir a la narrativa, apela a nuestros mejores sentimientos y a nuestra ternura mas infantil para disfrutar de una gran obra del mejor director/escritor de animación de nuestros tiempos. Es ciertamente reconfortante saber que dentro nuestro sigue existiendo un niño con capacidad para disfrutar sin demasiado cuestionamiento ni presión social. La peor excusa para dejar de ver ésta o cualquier película es pensar que "la animación es para niños", y encima intentar justificar nuestro prejuicio queriendo decir que si la animación es para niños, no es para gente "madura", "grande", "adulta". Esta estúpida infra-valoración de la niñez, queriendo decir por diferenciación que la adultez es despreciar los hermosos sentimientos con los que nacemos, y que igualmente tenemos la capacidad de desarrollar durante nuestra vida, entonces no vale la pena ser humano.

Esta película esta aquí para recordarnos de todo lo contrario.

Veredicto: Recomendable

Miedo al Amanecer (Solstice, 2008) / Argentina: 2009

(inserte una buena linea del guión aqui)

Daniel Myrick escribió y produjo "El Proyecto Blair Witch" allá en 1999. Aquel curioso proyecto que, alabado y criticado por su novedosa (en ese momento) técnica de filmación hoy copiada ad infinitum, significó para él un primer paso dentro del mundo de Hollywood.

Nueve años mas tarde, el público ya cansado y desencantado de la Bruja de Blair parece demandar de éste cineasta un estilo mas convencional y cliché. Si el objetivo es aquel; se ha logrado sin problemas.

"Miedo al Amanecer" (¿a quien se le ocurren estas traducciones pateticas?) presenta una fórmula estereotípica que ha sido masticada, rumiada, digerida y regurgitada una y mil veces por cientas de películas de "terror". Los personajes, todos adolescentes, se presentan como los típicos buscadores de fiesta y descontrol a los que les golpea inesperadamente una sucesión terrorífica de eventos donde nadie parece ser quien és y los secretos abundan hasta el final.

La presentación, simil a "La Llamada" (o "El Aro", dependiendo de donde provengas) nos presenta cierto terror psicodélico el cual no volvemos a ver en ningún momento de la película. No es que sea un reclamo, pero hubiera sido una forma un poco mas original de presentar los temas (aunque El Aro ya lo ha hecho). Las apariciones recuerdan a los espiritus de media calidad de los filmes de terror japoneses; mientras que la música, los escenarios y los personajes principales podrían facilmente haber salido del set de cualquier película de terror adolescente.

Remarco lo "adolescente": Los actores tienen tan poca expresión vocal y hablan tan rapido que es increiblemente dificil entenderles, cual si tuvieran un tubérculo en la boca.

Lo raro de ésta película para adolescentes es que no hay ningún "miedo", no hay jovenes alcoholizados, ni sangre, ni terror, ni sustos. Se basa mas bien en el suspenso que presupone no conocer las situaciones de antemano. Es cierto: el misterio no se devela hasta el final; pero es tan intrascendente que tampoco estamos emocionados por conocerlo.

Vale recordar al lector que ésta película solo tuvo un estreno cinematográfico en Rusia. Mientras que en Estados Unidos solo se consiguió durante 6 meses en video, pasando luego a tener su estreno televisivo. El otro único país anotado para un estreno cinematográfico de ésta película es Argentina. ¿Por que? Vaya uno a saber, lo cierto es que no se fíen cuando vean un poster que diga "Del creador del Proyecto Blair Witch", lejos estan de encontrar algo similar, y que posea suficiente impacto como para provocar tal intriga como para tener que verla sin opcion.

El hecho de que haya salido limitadamente en video debería darles una pista. La mediocridad de la película me deja pensando si realmente no habrá algo que asuste un poco más que esto en los bosques de Louisiana.

Veredicto: Poco recomendable