Cafe y Cigarrillos

Shrek por siempre (2010)

2010-11-29T08:22:00.000-08:00

"Haz el rugido"

"Parece que el ogro verde ha vivido ya demasiado."

Hace muy poco escribí sobre como Dreamworks y su máquina de fantasías tiene problemas para crear historias que sensibilicen a la audiencia y tengan un lugar en el corazón de grandes y chicos a la vez (las comparaciones con el gigante Pixar son día a día más inevitables). También mencioné que cuando lo logran, suelen colgarse de ellas sin saber cuando detenerse, absteniendose de hacer un travesti de lo que quedará en el recuerdo de muchos espectadores niños como algo increible.

Y es así que llegamos a "Shrek por siempre", o "Shrek 4". Una nueva historia de amor para creer en uno mismo sin importar las apariencias. Este Shrek nos presenta lo que podría comprenderse como una realidad alterna, donde el deseo perseguido por el ogro verde es tener un día para si mismo sin preocuparse por su achanchada realidad como padre y estrella de Muy Muy Lejano.
Un escenario exacto al de Jimmy Stewart en la peli de Capra, "Que bello es vivir", y rehecho mil veces por mil películas distintas.

Rumpelstiltskin (en la voz de un tal Walt Dohrn, ignoto escritor que colaboró en las peliculas de Shrek y escribió varias historias para "El Laboratorio de Dexter" y "Bob Esponja") es el nuevo villano en esta última presentación, lo que le aporta cierta frescura a la serie.
Pero, a su pesar, Shrek no captura como solía hacerlo, y el deterioro de ideas y personajes es evidente en las distintas entregas de la saga.

Como una comedia romántica para niños y adultos, uno espera que Shrek aporte más que comedia escatológica, recursos reciclados y los mismos personajes de siempre pero reinventados en una trama intrascendente. Y es curioso, porque hay mucha risa, comedia y romance, pero uno termina de ver la película sintiendose en un de ja vu carente de muchas de las cosas que hicieron grandes a las otras películas. Falta la música, que ninsiquiera el Flautista de Hamelin al mejor estilo Jethro Tull logra reemplazar. Faltan referencias a la cultura pop y al público adulto para que este logre salir de la sala sintiendo que valió la pena. Faltan personajes memorables y situaciones verdaderamente comprometedoras y creativas en las que nos interese ver a Shrek.

Lo curioso es que ni el director ni los escritores de la historia de "Shrek 4" han tenido relación directa alguna para con las otras películas de Shrek, por lo que las leves sospechas se transforman en un dato concreto: La búsqueda de la similitud a las historias anteriores de Shrek y su estilo no son una coincidencia, nisiquiera son los mismos creadores los que copian las propias ideas que supieron producir en algun momento. Se trata de escritores y directores cuyas credenciales son por demás chistosas (y no en el buen sentido) a los que de alguna forma le cayó un gigantesco nombre del cielo. Este nombre significa una chapa importante para la audiencia, pero no quiere decir que solo por tener "Shrek" de nombre, la película podrá mantenerse en el tiempo.

Lo concreto es que, ordeñando su vaca de oro hasta el último momento, Dreamworks produce hastío más que una propuesta concreta y llena de ese buen corazón que caracterizó las previas aventuras en Muy Muy Lejano. El único sentimiento concreto con el que me fuí ha sido que por fin dejarán descansar en paz al ogro verde, y también a su ya gastada franquicia.

Tampoco es terrible: si tienen hijos, lograrán distraerse durante una buena hora y media. Si gustan de la animación, la proesa técnica y la calidad que ha puesto el estudio en la física de los personajes es impresionante, pero técnicamente se encuentran con tecnología vencida, un requisito indispensable para mantener el carisma de los personajes, pero que cuesta competitividad si no fuera por la gran "S" con el que venden la película.
Si desean una historia sencilla y con una moraleja evidente y literal, aquí la encontrarán. Pero no esperen recordar la cuatrilogía de Shrek como un evento memorable en el cine de animación moderno. Parece que el ogro verde ha vivido ya demasiado.

Veredicto: Alquilable

Cómo entrenar a tu Dragón (2010)

2010-11-26T10:42:00.000-08:00

"¡Sólo señalaste todo de mí!"

"De las mentes creadoras de "Lilo & Stitch" (el mas grande éxito moderno de Disney) llega una película preparada para hacer frente a las vacaciones escolares y a la taquilla."

Hasta el día de hoy, la historia de Dreamworks es una historia de éxitos intermitentes - o de fracasos esporádicos, si se quiere ser pesimista -, si bien comenzó intentando captar al público en descubierta rivalidad con la megafábrica de éxitos Pixar - de ésta última estaba "Bichos", mientras la primera produjo "Antz"; "Nemo" con "A Shark's Tale" - pronto se dieron cuenta que no importaban las similaridades de las películas en cuanto a tecnología y escenario. Lo que captó y siempre captará a la audiencia infantil es una buena historia con la que los padres - siendo ellos los "consumidores activos" (que aportan la plata) - puedan identificarse en algún nivel.
Así se la han llevado regurgitando sus propios exitos - como Shrek (ya una cuatrilogía), Madagascar y Kung Fu Panda (pronto a estrenar su segundo capítulo) - timidamente apostando por nuevas producciones originales que les representen un mercado más significativo.

El último estreno de la Compañía, "Cómo entrenar a tu Dragón" es una apuesta en ese sentido. Basada en la homónima novela para niños de Cressida Cowell, la película se asegura una historia con personajes de carácter humano, para nada unidimensionales (los "malos" no son siempre malos, ni malos porque sí) y con los que la audiencia puede construir una relación de interés durante los 98 minutos que dura la película. La misma cuenta con Hipo, un introvertido muchacho vikingo que aspira a cazar dragones y que llega a encontrarse con uno de ellos, descubriendo que son más de lo que creen en su tribu.
Las voces, aportadas en parte por Jonah Hill (el gordito de "Supercool" y "Get Him To The Greek"), y Gerard Butler (Leónidas en "300") le dan un tinte divertido y épico -respectivamente- a la historia de estos barbáricos Vikingos.

Desde una perspectiva técnica, los sonidos y las texturas de los personajes y los ambientes se encuentran cada vez más logrados, aunque no se trata de ser precisos y realistas respecto a lo que sucede, debido a que debe conservarse la caricaturización del ambiente y los personajes para recordarnos que no es una película para adultos, ni "caracterizaciones" de la vida real, sino un dibujito animado en tres dimensiones preparado para entretener a niños y adultos (la opción en 3D siendo la recomendable para este tipo de películas).

Probablemente quienes lean la presente crítica no sean niños de 9 años, por lo que un padre preocupado si la película es apta para su hijo debe poseer una concreta respuesta: Si, la película entretiene y usted no va a aburrirse esperando a que termine, distraerá a los pequeños y los embeberá en una historia de autosuperación, ser uno mismo y poseer buenos valores (con los respectivos chascarros) junto a personajes queribles y que quedarán dandoles vuelta en la cabeza durante un tiempo.
De las mentes creadoras de "Lilo & Stitch" (el mas grande éxito moderno de Disney) llega una película preparada para hacer frente a las vacaciones escolares y a la taquilla. Quienes busquen una opción divertida y una decente película de animación la encontrarán aquí, pues no carece de acción y comedia.

Sin rivales considerables en las salas, "Cómo entrenar a tu Dragón" ha probado ser un éxito notable para Dreamworks (recaudando ya más de lo que costó producirla - US$ 155 millones -), por lo que se espera una segunda parte para 2013. Para ser justos con la alta calidad de películas de animación que pueden verse hoy en día, no creo que ésta sea una de esas películas que marcan un antes y un después en la vida de los jóvenes (sería muy injusto compararla con Toy Story), pero Dreamworks se acerca como ya lo hizo antes con su exitoso ogro verde, a ser uno de los grandes productores de historias para chicos en tres dimensiones de la actualidad. Aún así, le queda mucho camino por recorrer.

Veredicto: Buena

Piratas del Rock (2009)

2010-11-26T08:30:00.000-08:00

"Esta canción es bastante larga, espero estar aquí cuando termine"

"La rebeldía, la intransigencia, el "hazlo tu mismo", la amoralidad, el sexo libre y las radios piratas. Todos tienen su espacio en esta lucha de 2 horas y media contra la burocracia y la censura de un gobierno "más papista que el Papa"."

Inglaterra en los 60's. Para los verdaderos fanáticos del Rock y el Pop, no hay nada más que agregar. Una pequeña isla en el Mar del Norte alguna vez supo ser hogar para un centenar de artistas y creativos que desarrollaron el arte de la música hasta extremos impensables hasta la fecha, y de allí supieron surgir una cantidad increible de géneros y subgéneros dentro del mismo recipiente, el cual ebuyecía y fue injustamente categorizado por muchos como "sólo rock & roll". Las implicancias históricas y culturales del fenómeno musical fueron entonces ignoradas en pos de la música y de la industria. "Los Piratas del Rock" viene, en cierto sentido y de su propia forma, a revindicar dicha cultura y a concientizar a los espectadores sobre el ya ¿perdido? espíritu que motivó la evolución cultural y social de la música.

La rebeldía, la intransigencia, el "hazlo tu mismo", la amoralidad, el sexo libre y las radios piratas. Todos tienen su espacio en esta lucha de 2 horas y media contra la burocracia y la censura de un gobierno "más papista que el Papa".

Su director es Richard Curtis, productor y escritor de "Mr. Bean" desde su creación hasta su última película; también y quizá más famosamente, fue responsable del guión para ambas películas de "Bridget Jones" y "Realmente Amor", su primer intento como director, lo que significa que "Los Piratas del Rock" es la segunda vez que ocupa la silla de director y escritor, aunque con una muy amplia experiencia bajo el brazo. Esto le valió la nominación para un premio de Oro en un ignoto festival realizado en Sant'Agata de' Goti (en Italia), pero perdio contra una película italiana... ¿sorpresa?.

En fin, en lo que a la película respecta, se nota ampliamente la influencia que tuvo Curtis de sus obras anteriores, acostumbrado a la comedia simplona, parece que escribió el resto del guión como marco para sus chistes, haciendo base en películas del mismo género que probaron haber tenido éxito significativo en el pasado, la primera que me viene a la mente es "Casi Famosos" (donde el mismo Hoffmann repite el rol de aficionado de la música) .No se trata en absoluto de una característica negativa: la historia es coherente y llevadera, los chistes son graciosos, y la música es excelente. Pero a pesar de sus dos horas de duración y de su elenco estelar, la película presenta un tono, una estética y un ritmo que tiende a caer hacia el final. Incluso, y a pesar de su estética frenética y alocada, fiel a los 60's, la película se diluye en una comedia romántica que no explota el potencial de sus más grandes artistas (Philip Seymour Hoffman - quien ha demostrado de sobra sus dotes humorísticos en "Mi Novia Polly"- , Bill Nighy - Una leyenda del cine Británico - , Nick Frost - Una promesa de la nueva comedia inglesa- y Kenneth Branagh -en su excelente rol de ministro-).

Cada vez que la historia se centraba en su "protagonista", un muchacho aburrido y socialmente impedido, y su fugaz enamoramiento, me encontraba ansioso de que el foco pase a algunos de los mencionados, o que al menos tuviera una interacción con ellos. Creo que Curtis (el director) se dió cuenta de ello y por ende, el film parece no tener un balance concreto en lo que respecta a sus personajes: intenta ocuparse de todos y ninguno a la vez.

Lo mismo me sucedió con la música, si bien la película se trata sobre una Radio Pirata y sus encontronazos con el Gobierno, también trata comedia, romance y algo de drama, todo lo que parece sobrevolarse de forma superficial, y el mismo problema con los personajes surge aquí: Intenta ocuparse de todos y ninguno a la vez. Dos horas parece mas que suficiente, y la película trae a colación grandes temas y bandas de los 60's, dandole lugar a íconos como The Who, The Troggs, David Bowie, Jimmi Hendrix, The Kinks, etcétera. Pero los temas pasan fugazmente, y para disfrutar de la música uno debe recurrir a la banda de sonido de la película, alegremente integrada por dos discos muy completos.

Como obra de una cultura pirata (léase: dominada por el pueblo), que finalmente conquistó la industria y pasó a transformarse en la Industria misma, no sorprende que la película haya representado una pérdida para sus inversores -costó US$ 50 millones y lleva recaudado menos de US$ 40 millones a pesar de haberse estrenado hace más de un año-, pero para los piratas mismos (léase: todos nosotros), es positivo que la película haya visto la luz del día, mas no sea para los amantes de la música de la época o de una buena risa un Viernes por la noche; aunque la ironía persiste: desde un medio que ES la Industria, se producen declaraciones pro-libertad, contra el conservadurismo y la Industria.
Pero, como se ha dicho, para quien no desea (y se que la mayoría de ustedes no lo quieren) hacer un análisis desde ese punto de vista - aunque juzgo que mantiene encendido el espíritu representado en la película mucho mejor que la película misma - se trata de una buena película que tendrá una trascendencia proporcional al gusto musical del espectador.

Veredicto: Buena (Muy Buena si aprecia la música)

Penelope (2006) / Argentina: 2009

2009-07-19T18:43:00.000-07:00

"No es el poder de la maldición, es el poder que tu le das a la maldición"

Algunas veces, uno tiene la desgracia de llevarse del cine un sabor amargo que ni la coca mas dulce por mas lavada y llena de hielo que se encuentre puede sacar. Otras veces, las pequeñas sorpresas y alegrías se encuentran en aquellos por quienes no apostabamos ninguna ficha.

Penelope (Christina Ricci) es una joven aristócrata viviendo en una tierra de fantasía donde las calles centricas de Nueva York se mezclan con los barrios de Brooklyn y las mansiones inglesas. La postal de la ciudad en la que se desarolla su historia es un collage de fantasía y realidad donde las brujas y las maldiciones son tan reales como el mercado cambiario y los papparazzis.
Habiendo, pues, sucumbido a la maldición de una bruja puesta en su familia hace cientos de años, Penelope nace con orejas y nariz de cerdo; un estigma que la acompañará durante toda su vida hasta la posibilidad de encontrar alguien que la acepte por como es.
Tarea que recae sobre su madre ansiosa (Catherine O'Hara), quien esta obsesionada por darle a su hija una vida normal. Para ello finge su muerte y la encierra en su habitación; haciendole conocer pretendientes a través de un vidrio espejado.

En su primer obra para la pantalla grande, la escritora Leslie Caveny toma prestados elementos estilísticos de muchos otros artistas; en mi opinión los trazos mas grandes son de Jean Pierre Jeunet. Sobre todo en lo que representa la primer mitad de la película. La estética, inocencia y gracia con la que deciden contar la historia de Penelope son dignos de admiración; y si bien no es que nunca se hayan visto, al menos estan cuidadosamente reproducidos en las casi dos horas que dura esta historia. Excepto el final: sin arruinar nada, ya llegaremos a él.

Es refrescante observar una verdadera comedia romantica donde existe romance y existe comedia. La dulzura del personaje, expresado en gran medida a traves de los ojos de Christina Ricci da cuenta de una gran versatilidad de la actriz para papeles sencillos pero que a la vez estan llenos de sentimientos encontrados que apuntan a una audiencia de niñas y adolescentes que seguramente sabran sacarle jugo a los mensajes de ésta película.

Ricci y McAvoy tienen en pantalla una relacion totalmente creible, que inspira confianza y dulzura; si bien no se trata mas que de un cuento estilo Cenicienta, son estas relaciones proyectando calidos sentimientos al expectador las que proveeran una base solida para la película.

Tal vez el humor, la mayoría en manos de Peter Dinklage (la mayoría lo recordarán de "Muerte en un Funeral") es uno de los aspectos mas descuidados de la película; las situaciones graciosas son graciosas, pero tienen mas que ver con la forma que utilizan los actores para expresarlas que las situaciones en si, que son mas bien burdas y predecibles.
Como anticipaba anteriormente, el otro aspecto negativo de la película es el final. Ciertamente me sentí perdido por como terminaron de desenvolverse los acontecimientos en los últimos 20 minutos de la película, donde la misma ya se sentía demasiado larga. La confusión y la poca claridad en cuanto a los personajes y sus destinos toma lo que podía haber sido una culminación que la película venía planteando y la descarta en favor de la moraleja y el final feliz tradicional.

Lo más positivo de la película creo encontrarlo en como apela a la bondad de los sentimientos humanos; cuando la mayoría elije mostrar una bondad superficial y una maldad inherente, "Penelope" recuerda que "la belleza es superflua" y tambien lo es el mal, mientras que la bondad es inherente a la humanidad. Así en el cuento no existen malos ni buenos, solo seres humanos.

Un mensaje positivo de los que no suelen estar de más; y una moraleja que apunta especialmente a las chicas adolescentes. Sería una gran película si mantuviera la frescura de los primeros quince minutos.

Veredicto: Alquilable

Katyn (2007) / Argentina: 2009

2009-07-16T18:58:00.000-07:00

"El Ejercito Rojo es tu único amigo"

El 1ro de Septiembre de 1939, Alemania ingresó en Polonia, motivando la Segunda Guerra Mundial. 16 días después, el ejercito ruso ingresó en Polonia; los ejercitos no se atacaron entre ellos, sino que dividieron el país tras un pacto firmado entre Von Ribbentrop y Molotov.

En Abril de 1943, los Rusos denunciaron haber encontrad los cuerpos de "unos 8 mil soldados" polacos en fosas comunes, culpando directamente al Regimen Nacional Socialista por la matanza. Propaganda fue elaborada al respecto por ambos bandos, lo que eventualmente fue necesario para convencer a miles de voluntarios polacos unirse al ejercito rojo retirando a las fuerzas alemanas del territorio, formando la República Popular de Polonia.

¿Por qué la clase de historia? Bueno, es bastante dificil comprender lo que sucede en la película de otra manera. Es justo que Andrzej Wajda, en el ocaso de su carrera, espere de los espectadores de sus filmes cierta retribución, cierta cultura general. También es probable que no espere nada; una vez más: los grandes cineastas hacen películas primero para ellos. Luego para los demás.

Una vez uno de los grandes cineastas europeos, y hoy por hoy una leyenda del cine mundial, Wajda, pisados ya los 83 años, superviviente de la Segunda Guerra Mundial y de la Polonia socialista, se da el gusto de pagar una deuda personal con su pueblo, mas también consigo mismo. Su padre fue una de las victimas del bosque de Katyn.

Así como lo ven, "Katyn" cuenta la historia de los sucesos alrededor de la mayor masacre en la historia moderna de Polonia. Veintidos mil militares e intelectuales fueron masacrados como ganado y enterrados en los bosques de Katyn.

El director elije contar la historia de la masacre de Katyn haciendo base en el relato del capitan Andrzej un militar polaco que debe su promesa a la patria por sobre su familia mas no sobre su honor. No se trata aqui, sin embargo, del desarrollo metódico de la historia de éste personaje; ya que, si se quiere, no es mas que el narrador del suceso. Se trata de las historias de los soldados anónimos que perecieron allí. Efectivamente, el guión cambia su foco en repetidas oportunidades, debo admitir que son muchas las ocasiones en las que me encontré confundido con los personajes mientras que se intenta abarcar varios personajes que gravitan sobre el suceso. Eso sí: Sus familias, la desazón, la desesperanza y el deseo de sobrevivir se encuentran retratadas magnificamente. Podemos decir que los actores polacos de éste film, si bien desconocidos, son grandes artistas.

Andrzej cuenta con precisión fáctica las horas en las que son capturados, llevados de aquí para allá, eventualmente dejando el resto de su agenda en blanco: el espectador sospecha lo peor, y no es para menos; la historia de los bosques de Katyn es terrible y sigue pesando en los brazos del pueblo polaco. El afan fáctico de Wajda así lo demuestra, pero como todo, debe existir en armonía y balance. El director la logra a partir de las historias que decide contar, motivando los sucesos con la incesante música y la imparcialidad de los personajes. En su proceso, decide sacrificar el desarrollo de los mismos a nivel personal. Sacrificio que molesta pero se entiende necesario pues no son las personas en sí sino su rol en cuanto a los eventos de la ciudad de Smolensk lo que elige retratar.

La película pinta la tragedia de varias generaciones de polacos y hace entender al mundo la posición de Polonia frente a los eventos sucedidos en 1940, además de sus consecuencias catastróficas para la estabilidad civica y cultural del país. Lo que pide a cambio del expectador es conciencia y cultura. Nominada al Oscar en 2008 como mejor película extranjera y ganadora de 12 premios, incluyendo el Globo de Oro a mejor película europea, "Katyn" requiere paciencia e interés por la historia europea. Miles son los filmes que recuentan historias de la 2da Guerra, mas ninguna pone foco en la brutalidad sovietica indistinta de la alemana, y en las devastadoras consecuencias para los pueblos que entre ambas maquinarias se disputaban.

Sean los burocráticos asesinatos del regimen sovietico o la brutalidad procesal de los alemanes, Polonia sufrió indistintamente ambas facciones, y el deseo de concientizar al mundo de ello se encuentra excelentemente plasmado en la obra de Wajda.

Veredicto: Recomendable (si gusta de la historia mundial)

Ponyo en el acantilado (2008) / Argentina: 2009

2009-07-08T06:09:00.000-07:00

"Bienvenidos a un mundo donde todo es posible"

Cuatro años ya pasaron desde la última vez que escuchamos en Occidente el nombre de Hayao Miyazaki. La última vez se trató de la historia de un joven mago y su castillo movil, que en su paso cosechó 14 nominaciones, incluyendo el Oscar a la mejor película animada, y 8 premios en todo el mundo.

Este 2009 trae luz con la nueva expectativa de presenciar una nueva obra maestra de uno de los cineastas de animación mas importantes de todos los tiempos. "Ponyo" se estrena pronto en Argentina, luego de haber abierto y cerrado festivales de cine de todo el mundo, y en este caso haber juntado 3 nominaciones y 6 premios de distintas academias de cine; apelando a una narrativa poco convencional para lo que Miyazaki nos ha acostumbrado en occidente, "Ponyo" cuenta la historia de un pequeño, adorable y antropomorfo pez dorado, hija de una diosa y un desconfiado ex-humano que abandonó su raza para convertirse en un hechizero del mar, y un niño de cinco años que salva su vida y promete cuidarla para siempre.

Esta película apela ciertamente a las costumbres más tradicionales de la vida isleña en Japón; pero también presenta una visión a través de los ojos de estos seres infantiles que agota toda capacidad para creer en la inocencia y la bondad. El mundo de "Ponyo" esta pintado de colores pastel, las formas redondeadas y adorables de los personajes nos mueven a la ternura, y la historia se presenta de forma tan sencilla como para que pueda ser disfrutada por los mas chicos, a quien parece sin duda que ésta película esta dedicada.

Pero como todas las obras de Miyazaki, pueden realizarse conceptualizaciones abstractas de pequeños detalles que facilmente pueden escapar a la vista de cualquier espectador, sin importar su edad. No son tantas, ni tan sutiles como en otras peliculas del autor, pero estan allí: El delicado balance de la naturaleza, la bondad inherente de la humanidad, la relación (altamente contaminante) del hombre con la naturaleza, el mar y sus propiedades cuasi mágicas, y cómo una pequeña modificación en el ecosistema puede afectarnos gravemente, en el caso de la película, en forma de crecimiento de mareas, tsunamis y desbalance de la polaridad magnética de la tierra por el crecimiento de mareas que causa inconvenientes con la orbita lunar.

Todo esto a través de un colorido prisma donde la creación poco se diferencia de la destrucción, la magia esta a flor de piel, y la fantasía nos pide la suspención de todas nuestras prerrogativas de "madurez", buscando en nuestro interior la inocencia que transmite lo que es basicamente una tierna historia de amor entre dos criaturas de 5 años. Por un lado el inherente y esperable egoísmo y visión de burbuja de Ponyo, enfrentada a la madurez responsable de Sosuke quien debe cuidar no solo del pez dorado, sino de su irrefrenable madre, de su padre ausente y de la relación que ambos intentan sostener.

Aún animada, dirigida, y escrita por Miyazaki, la historia se desenvuelve en tumbos y deja graves cuestionamientos una vez que ha terminado. Hay ciertas tramas que se plantean que no se resuelven y mi sensación fue la de franca extrañeza por lo limitado que resultó ser algo que se desarrolló hasta último minuto con tanto potencial. Entiendo que la idea de la película es presentarla a los niños, pero la inocencia y la ternura corroen la lógica narrativa presentada dentro de la película, y es una falta que no puedo dejar de señalar: esta película no es perfecta, ni tal vez cumple con todas las expectativas.

Insisto sin embargo, en la espectacular animación (a mano) que nada tiene que envidiarle a las mas grandiosas películas en 3 dimensiones de hoy en día. La complejidad del arte del dibujo hace toda su presencia aquí en ciertas escenas llenas de detalle que mi mente no puede dejar de fascinarse pensando que cada pequeña botella, cada pez, cada animal marino (y de ellos hay cientos en escena a la vez) fue dibujado con paciencia y cuidado. La perfecta música del gran Joe Hisaishi, que trabaja mano a mano con Miyazaki desde "Nausicaa" genera una atmosfera que es esperable ya en estas películas; su increible calidad le ha valido el premio al Mejor Compositor en los premios de Asia 2009.

La increible inocencia y ternura de ésta historia, la misma que hace sufrir a la narrativa, apela a nuestros mejores sentimientos y a nuestra ternura mas infantil para disfrutar de una gran obra del mejor director/escritor de animación de nuestros tiempos. Es ciertamente reconfortante saber que dentro nuestro sigue existiendo un niño con capacidad para disfrutar sin demasiado cuestionamiento ni presión social. La peor excusa para dejar de ver ésta o cualquier película es pensar que "la animación es para niños", y encima intentar justificar nuestro prejuicio queriendo decir que si la animación es para niños, no es para gente "madura", "grande", "adulta". Esta estúpida infra-valoración de la niñez, queriendo decir por diferenciación que la adultez es despreciar los hermosos sentimientos con los que nacemos, y que igualmente tenemos la capacidad de desarrollar durante nuestra vida, entonces no vale la pena ser humano.

Esta película esta aquí para recordarnos de todo lo contrario.

Veredicto: Recomendable

Miedo al Amanecer (Solstice, 2008) / Argentina: 2009

2009-07-06T13:26:00.000-07:00

(inserte una buena linea del guión aqui)

Daniel Myrick escribió y produjo "El Proyecto Blair Witch" allá en 1999. Aquel curioso proyecto que, alabado y criticado por su novedosa (en ese momento) técnica de filmación hoy copiada ad infinitum, significó para él un primer paso dentro del mundo de Hollywood.

Nueve años mas tarde, el público ya cansado y desencantado de la Bruja de Blair parece demandar de éste cineasta un estilo mas convencional y cliché. Si el objetivo es aquel; se ha logrado sin problemas.

"Miedo al Amanecer" (¿a quien se le ocurren estas traducciones pateticas?) presenta una fórmula estereotípica que ha sido masticada, rumiada, digerida y regurgitada una y mil veces por cientas de películas de "terror". Los personajes, todos adolescentes, se presentan como los típicos buscadores de fiesta y descontrol a los que les golpea inesperadamente una sucesión terrorífica de eventos donde nadie parece ser quien és y los secretos abundan hasta el final.

La presentación, simil a "La Llamada" (o "El Aro", dependiendo de donde provengas) nos presenta cierto terror psicodélico el cual no volvemos a ver en ningún momento de la película. No es que sea un reclamo, pero hubiera sido una forma un poco mas original de presentar los temas (aunque El Aro ya lo ha hecho). Las apariciones recuerdan a los espiritus de media calidad de los filmes de terror japoneses; mientras que la música, los escenarios y los personajes principales podrían facilmente haber salido del set de cualquier película de terror adolescente.

Remarco lo "adolescente": Los actores tienen tan poca expresión vocal y hablan tan rapido que es increiblemente dificil entenderles, cual si tuvieran un tubérculo en la boca.

Lo raro de ésta película para adolescentes es que no hay ningún "miedo", no hay jovenes alcoholizados, ni sangre, ni terror, ni sustos. Se basa mas bien en el suspenso que presupone no conocer las situaciones de antemano. Es cierto: el misterio no se devela hasta el final; pero es tan intrascendente que tampoco estamos emocionados por conocerlo.

Vale recordar al lector que ésta película solo tuvo un estreno cinematográfico en Rusia. Mientras que en Estados Unidos solo se consiguió durante 6 meses en video, pasando luego a tener su estreno televisivo. El otro único país anotado para un estreno cinematográfico de ésta película es Argentina. ¿Por que? Vaya uno a saber, lo cierto es que no se fíen cuando vean un poster que diga "Del creador del Proyecto Blair Witch", lejos estan de encontrar algo similar, y que posea suficiente impacto como para provocar tal intriga como para tener que verla sin opcion.

El hecho de que haya salido limitadamente en video debería darles una pista. La mediocridad de la película me deja pensando si realmente no habrá algo que asuste un poco más que esto en los bosques de Louisiana.

Veredicto: Poco recomendable

Entre los muros (2008) / Argentina: 2009

2009-07-04T16:50:00.000-07:00

"Los jovenes de hoy no tienen verguenza... y yo tengo verguenza por ellos"

La primer película fracesa en 21 años en ganar la Palma de Oro en Cannes. ¿Lo merece?

Fuera de los efectos especiales y las explosiones de Hollywood, bien lejos del cine de auteur de Tarantino o las excentricidades de Jim Jarmusch que brillan por lo suyo, se sienta el cine frances en un trono muy antiguo y que ha luchado mucho por mantener, que a veces no merece y que en extrañas ocasiones se da el gusto de mostrar al mundo su potencial.

De la mano de uno de los realizadores, en mi opinión, mas interesantes de la Francia actual "Entre los muros" es una de esas películas que no se ven muy a menudo; su realización artística y su compromiso emocional responden mas a los recuerdos personales que invisten a todos aquellos que hemos atravezado el secundario, mucho más que la lógica de una trama que sea consecuente con una historia que procede a través de nudos, complicaciones y desenlaces.

Y es que la historia de la secundaria no posee nudos ni desenlaces, tal vez si complicaciones; personalmente al menos puedo decir que al haber sido estudiante de secundario, en medio de la cursada uno no ve el proceso como algo que se inicia y concluye y que de alguna manera nos formará o tendrá consecuencias sobre nuestra persona; fue un "aqui y ahora" una vivencia para la cual no importa el inicio y el final, solo el año lectivo. Y esto lo demuestra la película de forma sublime: el año comienza y termina, las acciones de los personajes son consecuentes en relacion a ese año particular y con quienes deberán interactuar; sus complicaciones son mundanas, sus relaciones son normales, sus actitudes son típicas. Todo esto se encarga de reflejar la película excelentemente.

En este caso, concentramos nuestra atención en la relación con su clase de un profesor de Francés, de nombre FranÇois Marin, con su clase del año lectivo correspondiente. El personaje de FranÇois es retratado por nada menos que el autor de la novela en la cual esta película esta basada: FranÇois Bégadeau. Este hombre no sólo entonces protagoniza la película y escribió su novela original, sino que también fue el escritor de la adaptación cinematográfica de esta novela que escribió basandose en su experiencia como profesor de literatura en París. Vale resaltarlo pues nunca he visto tal dedicación a mantenerse fiel a un material original que dejar que su verdadero autor sea el controlador del proceso, junto a su director Laurent Cantet, un excelente pintor de las relaciones humanas.

Para ello les ayuda cierto recurso que no había notado en otro cine que en las películas de baja producción argentina: Utilizar los verdaderos nombres de los actores para nombrar a sus personajes. Así ayudan ellos desde su lugar a comprometerse emocionalmente con los eventos que se suceden; no son personajes en la forma estricta del término. Al dirigirse a ellos por su nombre real, reaccionan como personas reales, y eso se nota. Así nos comprometemos emocionalmente con los personajes, nos enojamos con los profesores, nos indignamos con los alumnos, sentimos y damos razones de la forma que pocas películas logran y que muchas otras desearían lograr.

El realismo que presenta las situaciones, desde el punto de vista de los profesores desbordados por el mal comportamiento de sus estudiantes, sus actitudes, su violencia y su cooperación; la injusticia y enojo que se percibe por parte de los personajes por la culpa que supone que un profesor reaccione violentamente frente a un estudiante mal comportado, y mal educado. Todo este cuadro es tan natural que no es necesario profundizar demasiado en él para comprender y simpatizar con los personajes.

La historia no es una sola, los personajes exceden cualquier visión y sus complicaciones o relaciones personales estan mas allá de la escuela. Pero el caldo de cultivo es uno, y como nos dice el título de la película: Es "entre los muros" en lo que concentraremos nuestra atención y entonces veremos converger o diverger las historias que otrora solo podremos pecibir por los escuetos diálogos que profieren algunos personajes.

La película trata al sistema educativo (francés; muy similar al nuestro) como un proceso altamente burocratico, pero que pone en juego la tolerancia y la comprensión de seres humanos que intentan guiar o contener a otros seres humanos aun mas allá de sus encuentros y desencuentros. Muestra como el éxito o el fracáso de un alumno no determinará su humanidad pero si tal vez sus formas cívicas; y como a veces esta muy por fuera de los profesores el conceder exito o fracaso a los alumnos en particular.

Durante parrafos y parrafos podría hablar y discutir sobre la efectividad de la escolaridad actual y las prerrogativas vocacionales que supone la existencia de actividades que intentan elevar el espiritu pero que a la vez les atan con privaciones burocráticas. Lo cierto es que esta película, ganadora del festival de Cannes 2008, se encarga de pintar un retrato moderno, crudo y acertado de las relaciones de los estudiantes en un barrio mas bien complicado de Paris. El merecimiento de la Palma de Oro es incuestionable, y podemos estar de acuerdo con el presidente del jurado (Sean Penn) cuando sumamos un voto a la decisión unánime que finalmente le concedió el premio.

Veredicto: Muy recomendable

La Propuesta (2009)

2009-07-04T12:34:00.000-07:00

"...tan sutil como una pistola"

"La Propuesta" nos presenta a Sandra Bullock actuando de Sandra Bullock; o perdón, Margaret Tate, una exitosisima editora de publicaciones para una importante firma en New York que se ve amenazada por el Gobierno Estadounidense por su condición de inmigrante canadiense con una visa vencida.

Sandra Bullock es una de esas mujeres realmente emprendedoras: su nombre figura en entre 2 y 5 películas por año; se desarrolla como escritora, directora, productora ejecutiva y obviamente actriz. Ya de por si, este mismo 2009 la veremos en dos películas (una ya completada y la otra aun filmandose) aún no estrenadas. Y ya cuenta con cinco mas en desarrollo reservado. Su personaje también es una laboriosa abeja reina de su colmena que se ocupará de mantener su posición cueste lo que cueste y a quién le cueste. Aun cuando sea su propio secretario, Andrew (Ryan Reynolds) el que deba pagar las consecuencias de su acción.

A veces en la vida tenemos el privilegio de ser testigos de grandes creaciones que quedarán por siempre marcadas en la historia y la memoria de la humanidad. Esta no es una de ellas.
Y esta bien que así lo sea; esta película no pretende ser más que una película veraniega para refugiarse del calor del norte del continente, beber un refresco y volver a casa sin haber aprendido nada. O llevar una cita y quedar como un caballero frente a una comedia romantica simpática, escrita por el novato Peter Chiarelli, un hombre de Hollywood, un productor que con algo de tiempo libre en sus manos comenzó a escribir "La Propuesta" un viernes por la noche.

Chiarelli la escribió solamente para ganar tiempo en MGM, mientras conseguia un trabajo para Kurtzman/Orci (los productores de Star Trek). Esta bien que el hombre lo admita en entrevistas, ya que esencialmente asi se siente esta película: Se torna totalmente evidente que el guión estuvo guardado mucho tiempo y que fue un hombre de Hollywood, inexperto en escribir cualquier tipo de historias quien formó su creación.
Esto puede verse en la relación que mantienen los personajes de Bullock y Reynolds; ambos hacen un buen trabajo (Sandra Bullock siendo la productora ejecutiva del proyecto), pero el guión los limita en todos los angulos posibles. La película termina y aún no entendemos si lo que estamos presenciando es finalmente amor verdadero o amor por conveniencia.

Y es que el "giro" de la película es ese: Los protagonistas deben enamorarse en tres días. Si lo logran o no lo logran, es algo que no puedo arruinarles si van a ver la película, ya que la misma no sabe contestarlo. Y este es un golpe terrible, ya que Chiarelli se puso como meta enamorar dos personajes en tres días. Solo puedo decir que falló y falló por mucho.

A veces sutiles, a veces burlones, los personajes secundarios deben aportar el aspecto cómico de las situaciones, ya que por alguna razón tanto Bullock como Reynolds sufren de un destiempo cómico que ayuda a dudar de la efectividad de ésta película como una comedia romantica. No somos testigos de comedia ni de romance.

Anne Fletcher, la directora también relativamente inexperta, no aporta nada al genero, no meaneja a sus actores, nisiquiera aprovecha el paisaje de Alaska (donde se desarrollará el nudo de la historia) para lograr algo minimamente original.

La obra termina siendo igualmente formuláica: Junta 1 con 1 y obtendremos 2, y en este caso incluso se las arreglaron (en gran parte por culpa del guion) de producir un resultado tambaleante. No es algo terrible, simplemente no les recomendaría que paguen por verla ya que no se acerca para nada a los aportes que realizaron otras películas igualmente formuláicas pero mucho mas entretenidas como por ejemplo "Como perder a un hombre en 10 días" o "Lo que ellas quieren", ambas presentan la misma premisa que esta película pero se las arreglan para no hecharlo a perder con una historia acelerada y descuidada.

Veredicto: Poco recomendable

El primer día del resto de nuestras vidas ("Un conte de Noël", 2008) / Argentina: 2009

2009-07-02T20:26:00.000-07:00

"-¿Tu de donde vienes?"
"-¿Tu a donde vas?"

Debo iniciarme con una confesión: El cine francés se encuentra lejos de mis favoritos. No es las antípodas, pero si tal vez los alpes. Y es que a veces la influencia cultural tan fuerte que posee la sociedad francesa en su totalidad, desde su política hasta su psicología, todo afecta a las realizaciones artísticas de los cineastas franceses; muchos hasta pecan de pretenciosos.

Si, todo esto lo he podido identificar en “Un Conte de Noël” (utilizo el titulo original ya que el argentino es innecesariamente largo). Las charlas de los personajes, cuando pretenden profundizarse, gravitan en la petulancia filosófica típicamente francesa; hay alcohol, hay cigarros, hay charlas mundanas y significantes, y por sobre todo simbolismos por doquier.

Pero ya basta de eso. La película nominada a la Palma de Oro en Cannes 2008, dirigida por Arnaud Desplechin, quien se demostró ser un competente escritor de comedia negra en su película anterior, “Reyes y reina” (2007), termina de solidificar su título con su obra de 2008, la cual nos presenta a la familia Vuillard. Una familia moderna profundamente disfuncional y con una historia de enfermedad física y psicológica que define sus formas de interrelacionarse. Al comienzo de la película aprendemos que Junon y Abel conciben a su hijo Joseph quien nace con cierta enfermedad por la cual precisa un transplante de medula. Al ser ambos padres incompatibles, deciden tener un hijo más para intentar salvar a su primogénito, tras el intento fallido, conciben 2 hijos y uno mas después de la muerte de su primer muchacho… todas sus relaciones se verán atravezadas por esta tragedia silente.

Es el transplante de médula el evento por el cual gravitará la historia de todos los personajes. La relación entre los padres y sus hijos y entre los propios hermanos. La familia, con sus encuentros y desencuentros, parece en muchos sentidos una familia verdadera. Los dialogos y las personalidades se resaltan coloridamente, cada una con su encanto particular; y si bien la historia gira alrededor de la tensa relación entre Henri (Mathieu Amalric) y Elizabeth (Anne Consigny), es la relación entre Henri y su madre, Junon (la reverenciada Catherine Deneuve) la que atrapa por su profundidad y por su doble intencionalidad: son sangre de su sangre, y sin embargo existe entre ellos un desprecio silente y no por ello menos obvio que corona a la relación familiar (entre todos los miembros) con una nube de tensión palpable entre todos los personajes. Por otro lado tenemos la relación entre Ivan (Melvil Poupaud) y su esposa, Sylvia (Chiara Mastroianni, hija biológica de Catherine Deneuve) y la tensión sexual presente entre ella y el primo de Ivan, Simon.

Por último tenemos la relación que mantienen con la familia entera los hijos menores quienes somatizan los conflictos internos de la familia a través de un pequeño espectaculo casero navideño con la ayuda de Paull, hijo de Elizabeth, el cual parece sufrir de esquizofrenia.

Las técnicas postmodernas que utiliza Desplechin para relatar su historia son refrescantes y siempre agradables de ver: desde los personajes manteniendo un dialogo con la cámara (rompiendo la cuarta pared) hasta el comienzo de la historia contado a través de un teatro de sombras chinescas. Los constantes cambios de plano y de perspectivas nos distraen un poco del mayor perjurio de la película: sus dos horas de duración se hacen increíblemente extensas, si tenemos en cuenta que la mayor parte de la película se basa en los diálogos que mantienen los personajes en las diferentes situaciones que viven.

Muchas veces me encontré repasando en mi mente la perfecta explicación que se hace al inicio de la película sobre la relación entre el matrimonio y sus hijos; pero a veces ciertos personajes que escapan al núcleo de la familia se ven disminuidos en protagonismo cuando son presentados en escenas familiares donde todo el resto del elenco parece actuar con naturalidad y es uno quien queda extrañado preguntándose: “¿ese quien era?”. Fue genuinamente difícil seguir la cantidad de vínculos que se establecen, por suerte la duración del film es suficiente como para acostumbrarse a ellos antes de que sea demasiado tarde. Lamentablemente no es suficiente como para comprometerse uno emocionalmente con lo que sucede en la pantalla.

Dicen que los grandes directores, y les he escuchado decir, que hacen sus películas para ellos y no para el público. Suele resultar que su gusto personal encuentra un nicho de espectadores que cree que la película que han presenciado responde a sus gustos y encuentran la estética o la historia tan satisfactoria que terminan haciendo de la película un éxito. El caso de Desplechin es similar en cierto sentido: es la primera película en la cual genuinamente siento que el autor escribe y dirige para él mismo y no para quienes verán su película, esto me deja confuso y muchas veces excluido de lo que sucede en la pantalla. Y es que se presencia la obra como una gran novela, por mas que una película siempre sea una acción conjunta creo que esto es lo que podemos denominar verdadero cine de autor (o auteur); los salpicones de gusto de Desplechin se encuentran en todo el rodaje, su manejo de los actores, de las escenas, su gusto por la mitología, la psicología y la filosofía.

Si no me han visto hablar en el largo de ésta crítica mas que de la historia y las implicancias personales del director sobre ella, es porque la trama es tan compleja y a veces pretenciosa que ocupa gran parte de la atención del espectador, y solo puede causar dos efectos posibles: gran atención en los detalles y ponderamientos para aquellos que sepan encender su cerebro y realmente pensar lo que estan viendo en la pantalla, mas no ser como los vinculos entre seres humanos imperfectos y en este caso muy imperfectos, como menciona el personaje de Abel a Elizabeth: “Buscas siempre la perfección y en cambio te encuentras con tu hermano, que lo es todo menos eso” o puro aburrimiento.

En todo caso, será para aquellos que gusten del cine francés y sepan que esperar de él.

Quisiera terminar la crítica con un deleite personal. La cita directa del prólogo de “Genealogía de la Moral” de Friedrich Nietzsche, que Abel recita a Elizabeth mientras se despliega un paneo del pueblo de Roubaix (les recomiendo que vuelvan a leerlas una vez que vean la película, pues en ella se encuentra su esencia): Nosotros los que conocemos somos desconocidos para nosotros, nosotros mismos somos desconocidos para nosotros mismos: esto tiene un buen fundamento. No nos hemos buscado nunca, - ¿cómo iba a suceder que un día nos encontrásemos? Con razón se ha dicho: «Donde está vuestro tesoro, allí está vuestro corazón»; nuestro tesoro está allí donde se asientan las colmenas de nuestro conocimiento. Estamos siempre en camino hacia ellas cual animales alados de nacimiento y recolectores de miel del espíritu, nos preocupamos de corazón propiamente de una sola cosa -de «llevar a casa» algo.

En lo que se refiere, por lo demás, a la vida, a las denominadas «vivencias», - ¿quién de nosotros tiene siquiera suficiente seriedad para ellas? ¿O suficiente tiempo? Me temo que en tales asuntos jamás hemos prestado bien atención «al asunto»: ocurre precisamente que no tenemos allí nuestro corazón -¡y ni siquiera nuestro oído! Antes bien, así como un hombre divinamente distraído y absorto a quien el reloj acaba de atronarle fuertemente los oídos con sus doce campanadas del mediodía, se desvela de golpe y se pregunta «¿qué es lo que en realidad ha sonado ahí?», así también nosotros nos frotamos a veces las orejas después de ocurridas las cosas y preguntamos, sorprendidos del todo, perplejos del todo, «¿qué es lo que en realidad hemos vivido ahí?», más aún, «¿quiénes somos nosotros en realidad?» y nos ponemos a contar con retraso, como hemos dicho, las doce vibrantes campanadas de nuestra vivencia, de nuestra vida, de nuestro ser -¡ay!, y nos equivocamos en la cuenta... Necesariamente permanecemos extraños a nosotros mismos, no nos entendemos, tenemos que confundirnos con otros, en nosotros se cumple por siempre la frase que dice «cada uno es para sí mismo el más lejano», en lo que a nosotros se refiere no somos «los que conocemos»...

Veredicto: Recomendable (cine de auteur francés; no es para todo el mundo)

El precio de la libertad ("Goodbye Bafana") (2007) / Argentina: 2009

2009-07-01T17:04:00.000-07:00

"Un buen corazón y un buen cerebro siempre son buena combinación"
(Nelson Mandela)

El drama biográfico Goodbye Bafana se basa en las memorias escritas por el Teniente James Gregory en cuanto la relación que mantuvo con Nelson Mandela, como su guardiacarcel, durante sus casi 30 años de encarcelamiento en diversas prisiones de Sudáfrica. Básicamente cuenta la historia sobre como la relación con Mandela le otorgó a Gregory una perspectiva radical respecto a sus creencias personales y politicas, regidas por el Apartheid y la violencia social.

Billie August, director noruego cuya primer película se basó en la novela de Isabel Allende "La Casa de los Espiritus", tiene ya 20 años de experiencia en la realización cinematográfica; y lejos está esta película de ser su opera prima. Esta obra, sin embargo, fue nominada al Oso de Oro en el festival de Berlin del 2007 y las razones no son escuetas. Esta (super?) producción multinacional de banderas Alemana, Belga, Francesa, Sudafricana y del Reino Unido tiene por excelsa la gran performance de Dennis Haysbert como Nelson Mandela, quien si bien no se parece fisicamente (su enorme presencia llega a distraer y a sobresalir por si misma; uno recuerda a Mandela como un afable viejecito fragil y de cara amable, mientras que Haysbert mide casi 2 metros, algo que varios planos de camara se ocupan de resaltar y de no ocultar en absoluto) transmite un carisma y un espiritu de sabiduria y afabilidad que nos permite perdonar esta falta, aunque el que debe hacer mea culpa de ésto es el mismo August.

Joseph Fiennes es el gran nombre de esta producción; su trabajo como James Gregory es convincente hasta el punto que permite el guión, las complejidades de su personaje estan a flor de piel, pero pueden escaparsele a cualquiera que distraiga su atención de los breves momentos en los que el actor puede demostrar el compromiso emocional de su personaje en esta historia que esta viviendo.
Otra gran razón para la nominación es el reflejo de la sociedad Sudafricana de las epocas del Apartheid que presenta la película, los momentos son breves, pero crudos e identificables.

Sin embargo, un gran problema que presenta esta película son los enormes baches de tiempo que pretende abarcar (mitades de los 60s hasta principios de los 90s) y la gran cantidad de eventos que se sucitaron entremedio. Esto provoca problemas en la continuidad de la historia en la que uno se ve obligado a esperar alguna linea de los personajes que nos permita saber en que año nos encontramos; y el mayor inconveniente es que a veces pasan 6 meses, pero a veces pasan 15 años; en un momento tenemos a los hijos de Gregory siendo niños y en la escena siguiente, tras un fade out, ya son jovenes adultos.

El maquillaje de los actores es mas bien deficiente, su pobreza ayuda a aumentar la confusión respecto a la temporalidad de la historia. Y es que los eventos de casi 30 años de historia Sudafricana son demasiados e inabarcables en la hora cincuenta que dura ésta película, sobre todo siendo que su razón no es la historia sino la biografía no de Mandela sino de este personaje que presenció sus años en cautiverio.

Asi que para contestarnos: no. No se trata de una super producción. La película ha costado 30 millones de dolares y ha recaudado, hasta el momento solamente 2 millones. Un golpe muy bajo para una película de tan buen corazón y buenas intenciones como ésta.

La forma, por otro lado, en el que August ha decidido contar la historia me parece acertada; ésta es, la perspectiva de James Gregory frente a los eventos que se sucitaban en Sudafrica, lo que permite poca profundización de los mismos y mantiene tanto al personaje como al espectador confundidos por las razones y consecuencias que tendrían dichos eventos (desde los ataques "terroristas" del Congreso Nacional Africano, organizacion ilegal liderada por Mandela, hasta los ataques militares y policiales a la gente negra simplemente por serlo). Recordemos que la película se basa en un libro escrito por el mismo guardiacarcel, por lo que es natural que se base alrededor suyo y de su familia. Pero por ello sufre la relación del guardiacarcel con Mandela; la historia simplemente no se desarrolla, sino que se trata de eventos cuasi fortuitos u obligados que veran a los personajes nuevamente encontrados: no presenciamos el crecimiento de la amistad, sino el paso del tiempo. Por los mismos motivos sufren la profundización de las motivaciones y efectos psicológicos o emocionales que conllevan los eventos reales en los personajes; simplemente son un Juan Perez en un mundo cambiante. Sus convicciones y creencias se destruyen y se rearman.

El titulo de la historia quedará ocluido para la mayoría de nosotros, desconocedores del lenguaje Xhosa, que no captemos que Bafana, ademas de ser un personaje del pasado de Gregory, un niño africano con el cual el futuro guardia compartió su niñez y cuya identidad progresará hasta fundirse con la de Mandela y su relación con Gregory, también significa "muchacho".

Finalmente, no ganó esta película el Oso de Berlin, y podemos estar de acuerdo con ello; pero eso no significa que no sea una historia disfrutable de amistad y crecimiento personal. Sin embargo, si quieren ver una película que abra su visión a una perspectiva de la vida según Africa, mejor quédense con "Hotel Rwanda" o "El Ultimo Rey de Escocia".

Veredicto: Poco recomendable (espere a que salga en Cinecanal o utilice el método parche)

Coraline (2009)

2009-06-27T10:52:00.000-07:00

"Cuidado con lo que deseas"

Hay alguien entre la edad de 18 y 25 años que pueda fehacientemente decir que no recuerda "El Extraño Mundo de Jack"? Excepto que de ninguna manera la interese ni la animación ni el cine (por lo visto se ha equivocado de página), reconocerá al menos la existencia de esta obra y mucho mas probablemente a su afable escritor/productor que fue en aquella ocasión el ya oscuramente famoso Tim Burton. Por aquellas casualidades, fue el escritor de ésta historia quien dio un enorme salto a la fama gracias a las revolucionarias técnicas de stop motion que marcaron aquel hito del cine de los 90s, y por otro lado, fue su director, Henry Selick quien permaneció con créditos secundarios, casi terciarios yo diría a Danny Elfman, la voz cantante de Jack y el compositor principal de toda la música de aquel ambicioso y oscuro proyecto.

Hoy, 13 años después, es el mismo Sellick el que nos traerá "Coraline" alias "Coraline y la puerta secreta", una bella película que en muchas cosas se asemeja y en muchas se distancia de aquel proyecto que marcó para siempre su carrera. Y es que, con el avance continuo de la tecnologia, "Coraline", todos sus sets y sus personajes se ven infinitamente mejor, con una excepcional calidad artística y tecnológica que simplemente no era posible lograr hace 10 años. Pero como quiera mantienen cierta estética gótica vintage que recuerda inevitablemente al mundo de Halloween y sus habitantes. Sin embargo, "Coraline" va mas allá y elige muchas veces una estética surrealista para contrastar el gris mundo de la realidad con el fabuloso ensueño que parece yacer tras la puerta secreta.

Con evidentes tributos a Van Gogh, Boticcelli y Shakespeare el "otro mundo" se destaca por sus brillantes colores cálidos, mientras que el mundo real permanece grisáceo, avejentado y totalmente aburrido para una chica como Coraline (Dakota Fanning), quien tras conseguir una muñeca extrañamente similar a ella decide explorar su nueva casa, descubriendo una puertezuela secreta que nubla su juicio respecto a la realidad, la fantasía y sus deseos de darle color a su aburrida vida en las afueras de la ciudad.

Por momentos, la obra basada en la historia original de Neil Gaiman (el mismo escritor de la excelente "Stardust") recuerda por su surrealismo a "Alicia en el País de las Maravillas", con los ya mencionados tintes góticos inevitables, pero que traspola la necesidad de mostrar el mundo desde la perspectiva de esta niña a la pantalla a través del abotonamiento de ambos aspectos.
Mas allá de las increíblemente gigantes mini-puestas en escena, la excelente paleta de colores y los aspectos técnicos que hacen a esta película un avance evidente en cuanto a la animación por movimiento secuencial (fue la primera filmada enteramente en tres dimensiones), los personajes brillan no solo a traves de las expresiones de sus puppets y sus animadores, sino al excelente aporte vocal de sus actores, quienes logran perfectamente sincronizar y expresar los sentimientos y pequeños nuances que indican las motivaciones expresas y secretas, manteniendo al espectador atento durante las casi dos horas que dura la película mas larga de stop motion hasta la fecha.

Ninguno, sin embargo, brilla por su cuenta. "Coraline" expresa su grandeza como una red que interrelaciona las expresiones de los personajes, los colores, la fotografía, las puestas de escena, y todo lo que ya nombramos en un todo que es mucho mas que la suma de sus partes.

El único problema, bastante evidente, y que casi cuesta la reputación de ésta obra es la imposibilidad del director (o del escritor?) de encontrar un cierre apto para la obra. El crescendo que origina "Coraline", toda su potencialidad para ser una gran película, se ve perdido hacia el final. Evito detallar demasiado al respecto porque realmente es recomendable ver esta película, pero podemos describirla como una sinfonía inconclusa. Su crescendo se pierde en un memo de ideas desorganizadas que lamentablemente concluyen esta película y dejan, a pesar de la larga duración, un sabor a poco y una sensación de que todas aquellas propuestas o preguntas que formulaba la película con su trama, no se resuelven satisfactoriamente. Y es que "Coraline" plantea un lado oscuro de la existencia humana, sobre todo la corrupción espiritual de los niños que se ven tentados por sus mas grandes deseos a acumular y acumular placeres sin razón aparente; la relación con sus padres y la cruda realidad de la sociedad actual que presenta al trabajo y su consecuente esclavitud como condición sin e qua non para el acumule de capital, que sera posteriormente la única forma de satisfacer las necesidades mas básicas y mas elevadas de nuestros niños. Todo este potencial se transfigura en una simple película de aventuras, y es realmente una lastima que así sea.

La certificación (en Argentina) para mayores de 13 años es un rating aceptable, los aspectos que presenta y su forma de presentarlos no la producen exactamente como una película para chicos; la cantidad de sutilezas, su historia (a pesar de lo que se dijo en el párrafo superior) y sus personajes (una chica en busca de aventuras, un extraño chico que parece conocer y a la vez ignorar los misterios de la casa, un gato negro que no por su color recuerda menos al Cheshire Cat de Alice in Wonderland, dos avejentadas artistas que viven en la negación, un bizarro acróbata ruso que participó en el cerramiento de Chernobyl y todos los personajes del "otro mundo") seran mejor apreciadas por una audiencia que busque una obra a la vez disfrutable y con cierto potencial de análisis y profundidad que supera a la película de animación promedio.

Veredicto: Recomendable

Transformers: Revenge of the Fallen (2009)

2009-06-26T10:50:00.000-07:00

"I just had a full blown mental breakdown..."

Imposible de decirlo mejor en castellano: mis ojos resintieron la cantidad de movimiento que provee esta película, y muy conciente de la extensión del largometraje, mis posaderas se entumecieron ligeramente.

Industrial Light & Magic. Michael Bay. Robots gigantes. Megan Fox. ¿Qué mas puede decirse de Transformers: Revenge of the Fallen, alias "Transformers 2"? El director de Bad Boys, Armageddon y Pearl Harbor nos trae la secuela de su primer exito de taquilla (a pesar de las criticas) "Transformers", que necesita de todo menos una introducción.

En este caso, la vida de Sam Witwicky (Shia LaBeouf) se ve nuevamente envuelta en los problemas de los Autobots y su lucha contra los Decepticons por una astilla metalica que ha permanecido en su poder, y que le confiere ciertas capacidades que le hacen ser nuevamente el objetivo de los Decepticons, quienes esta vez cuentan con una especie de jefe supremo conocido como "The Fallen" (el caído) el cual parece gobernar las acciones de Megatron. Cualquiera que identifique una referencia al Paraiso Perdido de Milton, quedese con ella, pues este es el argumento de la pelicula y no hay nada para extenderse al respecto. La unica excusa para la inclusión de los demás personajes es que una esta mas buena que el pan con manteca, y el resto funciona como una gran tirada de clowns.

En comparación con la primer película, la acción ha aumentado, las payasadas han aumentado, y la estupidez del argumento ha aumentado. En un tributo mas honorífico a la serie y a los comics, el rol de Starscream ha aumentado significativamente y se lo ve mas como el cobarde traicionero que todos recordamos de la serie original. Por otro lado, el rol de John Turturro se encuentra pecaminosamente disminuido; el único del reparto al que puede llamarsele actor con una mano en el corazón ha sido dejado con un rol aun menor que en la pelicula anterior y el material payasesco con el que se le ha envestido para el trabajo le limita las posibilidades que tiene su personaje; pero lo que hace lo hace funcionar. En cuanto a Megan Fox, su unica excusa para ésta película es la relación que mantiene con el protagonista; lo que la hacia tan atractiva en la primer pelicula se encuentra ahora ridiculizado a un extremo en que ya no llama la atención. La necesidad por distraer al espectador con sus curvas bien formadas es tan evidente que resulta grosera. Y hablando de groserías, son particularmente las lineas de dialogo el insulto desvergonzado al público. Nadie espera "El Padrino", nisiquiera "Spiderman 2" (que demuestra pueden hacerse peliculas de accion y superheroes con profundidad), pero las motivaciones de los personajes son tan unidimensionales, tan lisas y llanas que se ven forzados a expresarlas literalmente. Frases como "soy un chico comun, con problemas comunes", "el destino no siempre llama en un momento ideal", y muchas otras las senti un duro golpe bajo a mi inteligencia como espectador.

Para el resto de los personajes tenemos nuevos robots, la mayoría clásicos y que cualquier fanático de la serie se alegrará de ver, sobre todo a Devastator, Soundwave y Ravage. Pero fuera de su aparición en la película, el resto de los robots, y un par de nuevas adquisiciones totalmente estereotipicas a un nivel ya ofensivo llamadas Mudflap y Skids ("We dont do no much reading"), aparecen con un papel muy secundario. En cuanto a dichos estereotipos, no se reducen a los robots: desde Megan Fox (la hottie que oculta su inteligencia y habilidades en su belleza) pasando por Josh Duhamel (el militar rebelde), Tyrese Gibson (el soldadito negro que siempre tiene alguna frasecita para decir), y Ramon Rodriguez (como el latino calenton) todos los personajes cuentan con una estereotipia exagerada que no estoy seguro si se supone que sea graciosa pero ciertamente cansa después de no mucho tiempo.

En cuanto a Bay, cualquiera reconoce sus películas por ser megaproducciones super taquilleras. No es algo que esté mal, pero al ser algo que funciona para la industria, es algo que veremos una y otra, y otra vez. Quien conozca minimamente el mundo del cine asocia a Michael Bay con inconmensurables explosiones, tiros, movimientos de camara de 360 grados, camaras nerviosas, abuso de la camara lenta, abuso de movimiento y chicas en ropas innecesariamente apretadas e incomodas. También con malos diálogos y actuaciones olvidables. Con esa expectativa entre al IMAX y con esa expectativa cumplida me fuí. Sin embargo, el espectador posee la clave de esta película: es él quien se encargará de aceitarla y transformar un bodrio ilogico e inconexo de dos horas y media en algo que es divertido de mirar. Y si lo van a hacer, deben hacerlo en IMAX. No hay otra forma de ver ésta película.

Especial para fanáticos, para los chicos (no muy chicos) o para quien quiera garantizarse una buena salida al cine de Viernes, sin duda la van a disfrutar; pero no esperen una joya del séptimo arte, y por ahora a Michael Bay le sigue quedando grande el titulo de "Director".

Veredicto: Para ver una vez (en IMAX!!)

The Dark Knight (2008)

2008-07-18T21:34:00.000-07:00

“Muere como un héroe; o vive lo suficiente como para convertirte en villano”

Tiempo del estreno de una de las películas más comentadas y esperadas del año. Desde hace más de 6 meses que Warner Brothers nos viene tentando con imágenes de ésta película; y los fans de la franquicia estaban saltando en sus asientos. Se venía rumoreando que la actuación de Ledger sería su Opus Magna; que la película estaría por sobre todos los estándares de una película corriente de acción.

El tiempo de los rumores se ha terminado; y es hora de poner al caballero nocturno bajo la espada de Damocles sostenida por sus más feroces observadores: sus fans.

La continuación de la franquicia re-comenzada por Christopher Nolan nos trae de nuevo al misterioso enmascarado en la piel de Christian Bale, mientras ayuda al Comisionado Gordon a atrapar un nuevo villano sediento de violencia: el Guasón. Será la tarea de Bruce Wayne convencerse de que su encarnación de Batman es lo que Ciudad Gótica necesita para palear males mayores que la destrucción del espacio público (y privado) al que somete a la Metropolis con la excusa de detener el crimen.

No podemos decir que Nolan sea un director con un harto repertorio en el mundo cinematográfico; la verdad es que sólo posee 8 películas en su curricula y apenas la segunda, “Following” de 1998 le ganó los fondos suficientes como para acceder a Hollywood para dirigir “Memento” (2000). De ahí tomó la franquicia de “Batman” para realizar lo que se conoce en la jerga como un “re-boot”, o en otras palabras, el formateo total de la franquicia para comenzarla de cero una vez más. Y al parecer Warner BROS. No se equivocó en absoluto al elegirlo, él mismo escribió la historia y el guión tanto para “Batman Inicia” como para “The Dark Knight”.

Con 10 años de carrera ha recibido 35 premios y 23 nominaciones; no hay muchos directores que puedan contar con ese lujo (por ejemplo, gente como Roland Emmerich, habiendo dirigido películas como ‘El Día Después de Mañana’ y ‘Día de la Independencia’, y con más de 20 años de carrera ha recibido siete premios). Esto es para ilustrar la capacidad inequívoca e indudable de Nolan como artista; su concepto de Batman se traslada a la pantalla con tal finura, con tal dedicación y oscuridad que el hecho de haber contado con un exquisito grupo de actores para interpretar sus deseos no hace mas que jugar a su favor para crear y sostener todo tipo de rumores de grandeza que produjo ésta película en el pasado.

La técnica literaria que utiliza Nolan con ésta película es mas bien directa al punto, pero eso no la hace simple en absoluto; el escritor y director se preocupa por mostrar un aspecto psicológico y las intenciones, valores y filosofías que mueven a cada pieza clave de la obra.

Bale está tan correcto como siempre, quien haya visto la primera parte; no puede esperar nada menos de uno de los actores más talentosos del Hollywood moderno, su retrato de Bruce Wayne excede los limites del común superhéroe para realizarse como una especie de heroico antihéroe, por sus comportamientos de millonario superfluo y su oculto alter-ego de justicia poética al servicio de un oscuro sentido de venganza por la muerte de sus padres a manos de un maleante de Ciudad Gótica.

En cuanto a las piezas en sí, solo puedo apuntar a Maggie Gylenhaal como las sobras de Katie Holmes en la renovada (¿…?) Rachel Dawes, fiscal de distrito adjunta a Harvey Dent. Y es que Dawes es más bien un recurso de guión que termina sin dirigirse a ninguna parte; y es por eso que su rol, nisiquiera secundario queda totalmente opacado por el resto de los personajes, hasta el gran Michael Caine, con un papel similar en protagonismo al de Gylenhaal, se las arregla para que su personaje no caiga en la caracterización de un simple recurso a manos del guionista, sino como un personaje completo y complejo en su propia manera.

Por otro lado tenemos a Gary Oldman, encarnando al Teniente Gordon; un hombre que en el mundo del cine no necesita presentación alguna, y cuyo papel ha crecido exponencialmente en relación a la primera parte de la franquicia; esta vez nos encontramos con un personaje decidido, con convicciones y deseos para el pueblo de Gotham tan fuertes como su aliado secreto en la lucha contra el crimen; y a Harvey Dent (Aaron Eckhart), “el ángel de Gotham” cuya labor como fiscal de Distrito le ha ganado incontables enemigos en la mafia local; ya desde el mismo nombre del personaje, cualquiera que conozca medianamente la franquicia tendrá plena conciencia de que su personaje (*spoiler alert*>) no es otro que “Dos Caras”; pero esta es una transformación que tarda interesantemente casi las 2 horas y media de película para llegar; así podemos apreciar las motivaciones psicológicas que transformarán a Harvey Dent en un villano secundario en esta película, pero no por eso menor dentro del guión. Y es que durante toda la película podemos observar a Dent luchando incansablemente contra el crimen de Ciudad Gótica, para terminar en su situación; este recurso aportado por el mismo Nolan, produce empatía y casi justificación por la transformación del fiscal de distrito.(<*spoiler alert*)

El mismo Eckhart es brilla intensamente en el elenco, como se lo ha notado desde hace varios años en roles que le calzan a la perfección; si bien es un hombre que no ha tenido la oportunidad de participar en enormes blockbusters como éste, su capacidad y su compromiso parecen multiplicados enormemente, y esto denota las características de un buen actor; su primer oportunidad como un villano (si bien secundario) es aprovechada enormemente, pero palidece en comparación del villano principal de la película.

Heath Ledger (Q.E.P.D.) como “The Joker”. ¿Quién lo hubiera pensado? “¿En serio? ¿El Cowboy Gay?”, quien no habrá pensado en eso en algún momento. Que vergüenza para todos nosotros, realmente. Primero dejenme que comente que ésta no es la última vez que veremos a Ledger en el cine; para el año que viene nos vamos a encontrar con “The Imaginarium Of Doctor Parnassus”, dirigida por el magnífico Terry Gilliam. Esa va a ser la última película de Heath Ledger, pero ésta es simplemente su Opera Prima.

Es obvio que desde que Christopher Nolan (mucho crédito va para éste director, que después de ésta película va a ver incrementada su oferta grandiosamente) escribió a éste personaje como un hombre tan complejo y con tantas capas para retratar, iba a ser algo que sería un fracaso total, o digno de uno de los personajes más recordables de la historia del cine, dependiendo quién y cómo lo interprete.

La segunda opción es la más aparente. El mísmo Gary Oldman comparó la actuación de Ledger con la de Al Pacino en “Dog Day Afternoon” (1975) y la de Jack Nicholson en “Atrapado Sin Salida” (1975). Al parecer el recientemente fallecido Heathcliff Ledger encontró en “el Guasón” la cuerda de oro para tocar la personalidad de un hombre con oscuros traumas y un sádico disfrute del dolor. Pero esto no es todo, el Guasón es un personaje anárquico, un personaje dirigido por el caos, y la creencia de que el mal es inherente a todas las personas; y como tal no se detendrá para demostrarle a Ciudad Gótica que todos pueden caer tan bajo como el más repudiado asesino; su motivo es casi un experimento de psicología social, si no fuera porque su compulsión al crimen es su única motivación. Les apuesto que de niño mutilaba animales pequeños.

Cualquier connotación a su personaje de “Brokeback Mountain” (2005) ha quedado absolutamente en el olvido; ese fue un papel, y este es otro, como hacen los verdaderos buenos actores, no se manchan de un personaje por el resto de sus vidas. Y por el mismo lado, si recordamos que Jack Nicholson nos hizo el gran honor de personificar al Guasón en la primer entrega de la franquicia (allá por 1989 a manos de Tim Burton), no hay dudas de que cualquier intento de comparación caerá en la nada; tanto Nicholson como Ledger han construido su propia imagen del Guasón y la ejecución de Nicholson retrataba características de forma menos oscura, seria y amenazadoramente que las de Ledger; pero de por si son incomparables.Y me repito, ésta será recordada por siempre como el Opus Mágnum de un joven actor que roba en todo momento la película y cuyo personaje s tan oscuro, tan terrible, tan maquiavélico, que en las 2 horas y media de duración de la película, nos quedamos con hambre de mucho más.

Entonces ¿”El Caballero de la Noche” cumple con la enorme cantidad de expectativas? Para serles sincero, tenía mucho miedo que frente a la enorme perspectiva que tenía el mundo (yo incluido) frente a ésta nueva entrega de la franquicia; si llegaba la película a dejar algun punto flojo o decepcionar siquiera en lo más mínimo, tiraría abajo todo tipo de expectativa y me quedaría en la mano con una desinflada ilusión.

La verdad es que “The Dark Knight” no solo cumple con las expectativas; las sobrepasa enormemente, yo no soy un fanático en sí de la franquicia, pero ver la química de los personajes en escena, la caracterización de Ledger y el resto de los actores y la magnífica y novedosa forma de contar la historia que provee el director, complacerá hasta al mas acérrimo crítico del séptimo arte.

Ésta película se erige realmente como una de las mejores del 2008 (si no la mejor), y como la mas satisfactoria de toda la franquicia, seguida de una cercanía extrema por “Batman Begins”.

La mayor diferencia con su predecesora, es que “The Dark Knight” toma las secuencias de acción a pasos agigantados y se establece como un climax seguido de otro, para justificar un final mas bien abierto y muy poco climático; sin la introducción de nuevos personajes nos preguntamos ¿habrá una tercera producción del encapuchado a manos de Nolan y Bale?.

¡Ojalá que si!

VEREDICTO: Muy Recomendable

Próximos Estrenos

2008-07-16T19:27:00.000-07:00

Sepan disculpar la falta total de dedicación a ésta páginas estas semanas; tuve (y tengo) 3 finales seguidos y no puedo nisiquiera dedicarme a ver una película entera. Como uno esta a full con los examenes, pensé en rellenar un poco el espacio tiempo con próximos estrenos que van a llegar a los cines de Argentina en algun momento de éste año o principios del año que viene, y que todavía no estan anunciadas en el resto de las páginas o carteleras oficiales.

Espero que lo disfruten (recuerden que haciendo CLICK en las imágenes, pueden agrandarlas):

31 de Julio:

7 de Agosto:

4 de Septiembre:

11 de Septiembre:

18 de Septiembre:

25 de Septiembre:

9 de Octubre:

16 de Octubre:

30 de Octubre:

6 de Noviembre:

20 de Noviembre:

4 de Diciembre:

Enero de 2009:

Before The Devil Knows You're Dead (2007) / Argentina: 2008

2008-07-10T20:47:00.000-07:00

Tiempos desesperados requieren medidas desesperadas, nunca mejor expresada la frase que en “Before The Devil Knows You’re Dead”; la última producción del octogenario de leyenda, Sidney Lumet. El título proviene de un antiguo brindis irlandés que, más o menos, se traduce al español como: “Que tengas comida y ropas, una suave almohada para tu cabeza; que estés 40 años en el cielo, antes que el diablo sepa que has muerto”.

Este drama frenético y desesperado que se revuelve sobre un crimen mal ejecutado, cuenta la historia de Andy (Philip Seymour Hoffman) y Hank (Ethan Hawke), dos hermanos que en urgente necesidad de dinero por muy distintos motivos deciden atracar la joyería de sus padres, previendo que la única víctima del crimen será la aseguradora.

Cuando todo sale mal, y la madre termina herida de muerte en el hospital, los hermanos se ven envueltos en un drama familiar con un crudo sentido de realidad y desbalances emocionales que cualquiera comprendería posibles.

Una vez más, la mínima mención de Hoffman es suficiente como para sobreentender que el hombre se roba la película con su actuación (la cual le valió 4 premios), y si bien Ethan Hawke funciona adecuadamente como el soporte, siendo el hermano menor, torpe, y miedoso; es más bien una herramienta que sirve, justamente de soporte, para la performance cruda del hermano mayor, meticuloso, precavido, planeador y con un desequilibrio emocional por su familia que lo lleva desde la frialdad a la emocionalidad extrema, de Seymour Hoffman. El resto del elenco es sólido, pero el desarrollo de sus vínculos emocionales es tan superfluo en la historia, que nunca llegamos a terminar de comprender sus acciones y sus reacciones a lo que sucede en la trama. De aquí se destaca evidentemente Albert Finney (como el padre de los hermanos), quien se muestra como un hombre destruido por la tragedia, lleno de odio y tratos agresivos a la comunidad por el simple hecho de no poder terminar de comprender quien y por que tendría el descaro de cometer semejante crimen. Por otro lado, tenemos a (una super sexy a los 43 años) Marisa Tomei, que mas bien sirve solamente como bocadillo para los ojos (la gran parte de sus escenas con los pechos fuera) ya que el desarrollo de su personaje y sus motivos son también superfluos y prácticamente ignorados por la trama. No tanto, sin embargo, como la madre (Rosemary Harris, la afable viejecita de la saga de Spiderman) y la hermana de los protagonistas; una funcionando simplemente como un pase al desarrollo de la trama y la otra pudiendo no haber existido en lo absoluto.

En cuanto a la historia, no es algo que salte a la vista por su originalidad; mas allá del robo (con unas escenas bien a lo Tarantino), esta película se basa en como afronta la familia las consecuencias del mismo; los hermanos sabiendose culpables y el padre desmoronandose por lo sucedido, buscando venganza por su compañera. Pero los recursos de Lumet para contar la historia (usando mucho flash back y flash forward) garantizan un thriller mas bien emocionante que garantiza el interés de la audiencia por los 117 minutos de duración de la película, con un final super climático que recuerda a las clásicas obras griegas.

Quien tenga ganas de ver una buena película (como las que no abundan), de uno de los grandes directores de la industria, no se va a equivocar con esta obra, que, si bien no es la mejor de Lumet, es un muy digno esfuerzo por darle vida al guión de la historia de la novata Kelly Masterson (esta es su primer y única historia para cine) y un magnífico trabajo de una de las estrellas más brillantes del verdadero Hollywood moderno.

Veredicto: Recomendable

Black Sheep (2006) / Argentina: 2008

2008-07-09T13:01:00.000-07:00

"Una nueva raza de horror cómico"

De la mano del novato Jonathan King, viene a los cines argentinos su primera producción: “Black Sheep”. Básicamente, la historia transporta el cine independiente de terror en cuanto a zombies, a los campos de Nueva Zelanda, donde a través de un accidente protagonizado por cientificos y hippies en contra de la ingeniería genética, las ovejas se transforman en zombies hambrientas de carne humana.

Como el héroe tenemos a Henry Oldfield (Nathan Meister), copropietario de las granjas Oldfield; quien sufre fobia absoluta a las ovejas, debido a un incidente durante su infancia.

Más de uno estará pensando: “Que premisa más ridícula”. Y ciertamente, es así; y tiene toda la intención de serlo. Cuando dije “cine independiente de terror” quise referirme a los primeros trabajos de Peter Jackson, obras como “Bad Taste” y “Braindead”… algo que mezcla humor con terror y sangre, en grandes cantidades. Ahora bien, esta no es una película tan “gore” como “Bad Taste”, ni en mi opinión, tan graciosa como “Braindead”; a mi gusto, tiene la violencia suficiente como para hacerme fruncir el ceño en desagrado, y un humor considerable, aunque con bastantes guiños a la cultura asiática y neozelandesa… es por eso que varios chistes se le escapan muy por encima a la audiencia occidental.

Manejando los efectos especiales esta la ya mítica “Weta Workshops”, aquella que se hizo famosa y multimillonaria por crear los efectos especiales para la saga entera de “Lord Of The Rings”, tanto como para las dos películas de “The Chronicles Of Narnia”, “King Kong” y varias más, incluida los próximos lanzamientos de “Halo” y “La Liga de la Justicia”. Así que ya se darán cuenta que si bien estas películas pueden compararse en varios sentidos a los primeros trabajos de Peter Jackson; el presupuesto que han obtenido y el esfuerzo para la realización de los efectos especiales no se acerca ni de chiste a lo que tuvo que pasar Jackson para darle vida a su trabajo inicial. Pero fuera de esto, el hecho de que Weta este detrás de “Black Sheep” le da una reputación y un puntapié inicial que tal vez no tendría si así no fuera.

Los personajes son más bien planos, bidimensionales si se quiere, pero debemos adoptar con todo la suspensión del descreimiento, y una vez que hagamos eso, la vamos a pasar bien. La premisa ya de por sí es brillante, las “ovejas zombies” serían terroríficas si no fuera por el hecho de que son ovejas, ya eso mismo provoca una sonrisa; cuando la cámara te enfrenta a la mirada perdida de una oveja en primer plano a la cual acompaña una música de suspenso y tensión, uno siente lo que la música provoca pero a su vez no puede dejar de pensar “…es una oveja”, y ya el absurdo funciona como debería.

Así que si la ven, no se olviden de hacerlo acompañados; en el cine con amigos, sobre todo si reina la buena onda y el deseo de rememorar las imperdibles de Peter Jackson, esta es una película que van a querer considerar ese viernes a la noche que se encuentran perdidos frente al hall central de su multiplex favorito y no pueden decidir que es lo que quieren ver.

VEREDICTO: Para ver una vez.

En Estados Unidos, esta película tuvo un lanzamiento directo a DVD, excluyendo los múltiples (mas de 5 en el país) festivales de cine en los que se proyectó. Los encargados fueron los muchachos del departamento de Dimension Extreme, de The Weinstein Company; y lanzaron allí el año pasado la remake (2007) de “The Wizard of Gore”. Este es un guiño para los fanáticos del terror; esperemos disfrutar de una buena película de terror (como hace tanto no tenemos) pronto en los cines. A ver si “Pachamama Cine” (la distribuidora que nos trajo “I’m Not There”, “Diary Of The Dead”, y bueno… “Black Sheep”) se pone las pilas para esto.

Kung Fu Panda (2008)

2008-07-08T11:01:00.000-07:00

“Uno suele encontrarse con su destino en el camino que ha tomado para evitarlo”

La nueva producción animada de Dreamworks; “Kung Fu Panda” se sitúa en una especie de China medieval, fantástica, donde se encuentra la historia de Po (Jack Black), un panda perezoso que tras una serie de acontecimientos que pondrán en peligro la villa donde vive deberá convertirse en el elegido para salvarla.

Dandole vida a los personajes hay una serie de talentosos actores liderados por la espectacular actuación de Dustin Hoffman como Shifu, el maestro Kung Fu. La suya es la más vivaz, y posiblemente la más fantástica performance para un personaje que cobra vida con las siempre increíbles técnicas de animación de la gente de Dreamworks.

A ella le sigue Black, con la que tuve un problema específico: Uno esta viendo el panda en la pantalla pero escucha la voz de Black y no puede evitar decir “¡Ey! ¡Ese es Jack Black!”… probablemente sea porque esta es la primer voz que éste tipo aporta a la pantalla grande (es mas difícil proveer la voz de un personaje que actuar, cualquiera podrá decírselo). Por suerte este inconveniente no dura demasiado; una vez que comienza la trama y los personajes han sido introducidos, uno se pierde en su belleza; olvidándose completamente de las personas que le dan vida a estos personajes y otorgándoles una vida propia y una personalidad acorde a la siempre grandiosa performance de los artistas.

En si, un problema general tiene también que ver con esto, el resto de los personajes, fuera de Black y Hoffman no se aprovechan en absoluto. Es tanto un desperdicio como una posibilidad de concentrarnos en lo que ya es obvio que son los personajes principales de la historia: Po y su maestro.

Lo que pasa es que tanto Angelina Jolie, como Jackie Chan, Seth Rogen, Lucy Liu y David Cross se ven obligados a meter lineas cuasi forzadas para justificar su aparición en ésta película… como quiera éstas hacen al desarrollo de la historia o a los chistes, que siempre son efectivos; así que se les perdona.

En cuanto a la animación, no hay duda de que Dreamworks trabaja año a año para mejorar los detalles de su trabajo, y hoy en día la animación deja en ridículo cualquier otro proyecto hasta la fecha, el nivel de detalle y juego de colores es simplemente increíble.

La historia, por otro lado, es tan simple como efectiva; hace uso de la linealidad, condimentando de vez en cuando con un par de flashbacks, pero lo atractivo del relato en sí es que también cuenta con algunos mensajes positivos acerca de creer en uno mismo, y también sobre el destino, desde una perspectiva fácilmente traducible a la cultura asiática (la película esta siendo una revolución en China). También, ya un mes después del estreno en los Estados Unidos, el fin de semana pasado esta película juntó 7,32 millones de dolares, llevando 193 millones desde su estreno; solo superada por la nostalgia de Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal (306 millones).

Así que si las cifras significan algo para ustedes, ellas mismas hablan para que no se pierdan esta película. Más no sea por la simpleza de los chistes, que me mantuvieron con una sonrisa en la cara la mayor parte de la película, o la excelente actuación de Hofman, y su relación con Black, que parece tocar una química especial en la onda que supieron compartir Mike Myers y Eddie Murphy en la ya clásica pareja de Shrek y Burro.

VEREDICTO: Recomendable

My Blueberry Nights (2007) / Argentina: 2008

2008-07-05T14:30:00.000-07:00

"¿Cómo le dices adiós a alguien cuando no puedes imaginarte viviendo sin él?"

La nueva obra de Wong Kar Wai cuenta la historia del viaje que emprende Elizabeth (la cantante de jazz Norah Jones), en busca de la auto superación tras descubrir que su novio le engañaba. Ésta es la historia que compartirá con el dueño de un café neoyorquino (Jude Law) quien la conforta con su oído y pasteles de arándano, antes de viajar de un extremo al otro del país conociendo en el camino un par de personajes singulares y sus experiencias respecto al amor.

Ya Wong es conocido en el mundo del cine como el creador de piezas magistrales que rondan en los sentimientos humanos (particularmente el amor, el desamor y la soledad) como sus más famosos trabajos “2046” (2004), “In The Mood For Love” (2000) y “Happy Together” (1997). Esta es simplemente otra de esas historias que muchos comprenderán y tendrán por supuesta como uno de los trabajos decisivos de Wong, ya que es su primer intento de llegar a la audiencia occidental trabajando con actores angloparlantes y una historia escrita por él mismo en colaboración con Lawrence Block, pieza fundamental para atravesar la barrera del lenguaje.

La fotografía, la iluminación y la dirección tienen el sello de Wong en todas partes; sus ya famosos trenes en la noche que se mueven cono gusanos serpenteantes a los cuales Wong se las arregla para establecer como un símbolo romántico de la velocidad de las relaciones humanas y como iluminan vagamente la noche de forma sensual.

Así también podemos ver los carteles de luces de neón (que abundan en todas las películas de Wong) y las cámaras alentadas en ciertas oportunidades que trabajan, y me repito, sensualmente con el ojo del espectador.

Es que justamente “sensual” es lo que necesitamos tener en cuenta para entender ésta película, y es uno de los atributos, por el cual no median las palabras, que pueden trasladarse de cultura a cultura sin demasiada distorsión. Esto mismo no sucede con la historia, ya que más allá del contento tan personal y primordial que provoca en el espectador una película de Wong, en ésta oportunidad y conociendo al director, es inevitable la sensación de que algunas cosas se han perdido en la traducción.

A veces los sentimientos, todo eso que no se dice pero que se ve en las caras de los personajes, son transportados a la pantalla con líneas para los actores que se encuentran lejos de necesitar.

Podemos decir, entonces, que en ésta película sobran las palabras. Cualquiera que haya visto otra película de Wong va a entender lo que quiero decir. Y si no has visto todavía ninguna, te recomiendo fuertemente que no tengas miedo en dejarte llevar con la belleza de las historias de éste director chino.

Las críticas más repetidas que he escuchado sobre ésta película es que Wong Kar Wai ha embellecido tanto a los Estados Unidos con la visión de éstos personajes, y también, por qué no, con la bellísima fotografía que caracteriza sus obras (de esto podemos culpar a Judy Rhee, cuyo previo trabajo en la dirección artística de “Requiem For A Dream” [2000] se nota de a ratos en ésta película y también a William Chang, fiel editor de Wong, quien ha trabajado con él desde “Chung King Express” [1994] ). Ahora bien, escuchar esto como una crítica para una película me entristece y me da cuenta por qué hasta los directores americanos prefieren trabajar en historias de amor que se den fuera de los Estados Unidos; lo que pasa es que algunos críticos no tienen ya un dejo de imaginación y su desconfianza los convierte en seres apáticos para los que “My Blueberry Nights” definitivamente no se encuentra dirigida.

Otra de las críticas es el casting, fundamentalmente de quien encarnaría el personaje principal de la película: Norah Jones. Hay que decir que éste es el debut en pantalla grande de la artista de jazz, y es posible que los productores hayan querido traducir la sensualidad de su voz a la pantalla mediante éste personaje. La verdad no es algo que funcione al 100 %, pero siendo ésta la primer chance de Jones para trabajar en la pantalla grande, se le debe un mínimo de respeto. Su personaje no llama tanto la atención como si con quienes se encuentra en el camino.

Incluyendo a la muy capaz (y siempre sensual) Natalie Portman como apostadora de Nevada cuya perspectiva del amor pasa con la relación con su padre.

La realidad es que la película la roban David Strathairn y la hermosa Rachel Weisz como una problemática pareja de Louisiana; sus actuaciones son de primera y el espectador se ve inevitablemente atraído por estos personajes y su conflictiva, comprendiendo las emociones de cada uno y la situación por la que están atravesando. Lamentablemente, la falta de elaboración en la historia de ambos no permite una expresión total de los personajes, de esto sufre exactamente Leslie (Natalie Portman). Pero por otro lado, las actuaciones son tan fuertes que su introducción en la historia y el desarrollo de su conflicto son en verdad el punto alto de la película.

Eso y la alegre actuación de Jude Law que no tiene desperdicio alguno y que opaca en la pantalla, lamentablemente, la presencia de Norah Jones.

Si bien, como ya se dijo, éste es el primer intento de Wong Kar Wai en una producción completamente anglosajona; no es una película que recomendaría para empezar si nunca han visto una película de Wong. Más allá de éstos, quienes sigan su obra sentirán derretirse ésta película en sus corazones como el helado de vainilla sobre los pasteles de arándano. Y quien entre al cine buscando una experiencia marcadamente occidental tendrá grandes dificultades para entender por qué esta obra es otra pieza de arte en la colección de uno de los cineastas asiáticos más fantásticos de los últimos tiempos.

Veredicto: Para ver una vez.

The Incredible Hulk (2008)

2008-07-04T23:28:00.000-07:00

"Hulk, Smash!"

El Dr. Bruce Banner (Ed Norton) se ha convertido en un fugitivo del gobierno de los Estados Unidos; su capacidad para convertirse en el Hombre Verde lo ha convertido en la prioridad de las fuerzas militares quienes planean recapturar al Dr. Banner para masificar su poder y convertirlo en un arma al servicio de su país.

Para escapar de las garras del General Thadeus Ross (William Hurt), Banner ha tenido que dejar atrás todo lo que una vez formó parte de su vida; incluyendo a la bella Betty Ross (Liv Tyler).
Perseguido una vez más por su pasado, y un letal agente mercenario (Tim Roth), Banner se verá obligado a volver a su hogar, y una vez allí enfrentar a uno de sus enemigos más temibles.

Éste nuevo intento de MARVEL a favor de uno de sus héroes más emblemáticos es nada más y nada menos que un intento de borrar de una vez por todas la vergüenza que representó alguna vez “Hulk” (2003) gracias a una pésima elección a todo nivel; directiva (donde participó el gran Ang Lee, en un genero que no le corresponde por default), pero sobre todo artística.

Esta vez se le ha dado pasado a quien una vez dirigió “Transporter 2” (2005) y “Danny The Dog” (2005), Louis Leterrier, un muchacho francés novato en el negocio (se encuentra trabajando activamente desde el ’97, pero estas películas que menciono son las únicas que dirigió). Leterrier, sin embargo, esta muy rápidamente haciéndose camino como uno de los directores más prometedores en cuanto respecta al género de acción.

La palabra “acción”, por más que no lo crean, es lo que define la diferencia de ésta película en relación con la anterior. Ang Lee, siendo un muy capaz director y un excelente artista, fue una pésima elección, probablemente basandose en su capacidad compositiva para las escenas de acción de “Crouching Tiger, Hidden Dragon”… a Stan Lee se le olvidó pensar que aquella excelente pieza de aventura y drama no tenía su fuerte en la acción sino justamente en su componente dramático.

Por eso que “Hulk” (2003) se basó en una sesión de psicoanálisis con el Gigante Verde, que realmente nadie paga por ver, más que en una historia competente que satisfaga y se llene de acción y sobre todo CGI minimamente creíble.

Fuera de la más que obligada comparación con aquella pieza que todos vamos a querer olvidar en el futuro cercano; “The Incredible Hulk” es un blockbuster lleno de acción que si se detiene por momentos es para mostrar la increíble performance de Edward Norton en relación con una tirada a menos pero igual de sexy Liv Tyler. Su actuación esta sobre la media, no me malinterpreten, pero es que esta vez es tan poco necesario obsesionarse con la belleza de Betty Ross mas que en la homoerótica provocación de la musculatura perfecta del Hulk y su transformación anatómicamente acertada (como sí fue necesario en la versión anterior, ya que para algunos fue sólo Jennifer Connelly en otra nueva cinta donde podemos derretirnos con su belleza más que la historia del Hulk).

Es sabido que Ed Norton estaba decidido a explotar su capacidad actoral en “The Incredible Hulk” para llevarnos a la pantalla la profunda relación entre el Dr. Banner y la Dra. Ross; cuestión que Marvel dejó muy fuera de oportunidad siendo ellos los productores de la película (empezando con “Iron Man” (2008) esperen que Marvel Productions decida el destino del resto de sus producciones). El problema que lo que el gran Norton parece haber pasado por alto es que esa forma que tanto lo hubiera satisfecho (o no) hubiera significado el nuevo fracaso de la película; porque este es un blockbuster de acción y superhéroes, y nadie va a pagar para ver “Lo Que El Viento Se Llevó” protagonizado por el Increíble Hulk.

La fórmula es sencilla: Heroe + Supervillano + Damisela en peligro + Explosiones + Historia minimamente convincente = Buena película de superhéroes. No hay nada más que eso, y tanto el espectador como sus protagonistas no deberían esperar nada más.

Probablemente no sea una fórmula ganadora de un Oscar, ni merecedora del título de "una de las mejores películas de los últimos años"; y esto Ed Norton lo sabía muy bien. Por eso vemos su interpretación de Bruce Banner como un tributo a la clásica historia del Dr. Jekyll: El Banner de Norton no acepta su condición, lo unico que quiere es deshacerse de la bestia, antes que vuelva a salirse de control; lejos estan las razones psicológicas del Banner de Eric Bana, donde el personaje acusaba un cierto placer al transformarse en Hulk.

Notarán como hasta el momento no he mencionado las actuaciones de Tim Roth como Emil Blonsky/Abominación; ni del siempre bienvenido William Hurt como el General ‘Thunderbolt’ Ross. Esto es porque no soy fanático de Hulk, y no he tenido la oportunidad de leer ninguno de sus cómics, sin embargo “The Abomination” es uno de sus supervillanos más reconocidos; el CGI aquí no ha venido para nada mal: sin conocer una pizca de la historia de Hulk, uno ya puede reconocer en la apariencia de éste terrible monstruo una naturaleza abominable que bautiza sólo lo que los fanáticos conocen como tal. Emil Blonsky se muestra como un personaje misterioso, irreverente al mismo gobierno que lo patrocina y no es otra cosa más que la viva imagen de su encarnación en papel. Bien por Tim Roth. Por otro lado, Hurt hace un efectivo papel como ‘Thunderbolt’ Ross, sin mostrarse más de lo necesario como un hombre cegado por su trabajo y su ambición.

Hay que destacar que la historia la ha escrito Zak Penn; el hombre ha logrado maravillas de taquilla como “X-Men: The Last Stand” (2006) tanto como cosas como “Elektra” (2005) y la adaptación a Video Juego de “Los Cuatro Fantásticos” (2005), o sea, cosas que ninguna persona decente tocaría ni con el palo de una escoba. Es probable que esta sea la razón por la que “The Incredible Hulk” puede verse como un Blockbuster claramente disfrutable y en consonancia con las grandes obras de Marvel en pantalla grande, tanto como un esfuerzo que si bien sobrepasa por mucho a la anterior, esta muy lejos de ser lo mejor que Marvel ha hecho hasta la fecha. Para ver con amigos, o en familia, probablemente no se equivocará con ésta elección; pero todavía estamos buscando a la sucesora de la saga de X-Men.

Veredicto: Alquilable

The Mist (2007) / Argentina: 2008

2008-07-03T10:03:00.000-07:00

"El miedo lo cambia todo"

Basada en una de las tantas historias de Stephen King; y aprobada directamente por el autor, la adaptación a pantalla grande de Frank Darabont, quien también dirigió la película, es una historia de tensión, suspenso y terror que se encuentra bastante lejos de los conceptos de obras como “The Majestic” (2001), “The Shawshank Redemption” (1994) y “The Green Mile” (1999), las tres que le valieron el Oscar a Mejor Director.

Eso no habla mal de la película, todo lo contrario, nos ofrece un Frank Darabont que se muestra como un gran escritor, distinguido e inteligente.

La película se basa en un evento que toma por sorpresa a un pueblito del estado de Maine, donde David Drayton (Thomas Jane), un artista que pinta posters de películas reside junto a su familia, y debe irse hasta el mercado local para reemplazar una ventana que se rompió durante el temporal que precede al evento en cuestión. David y su hijo se verán atrapados dentro del mercado junto a una gama particular de personajes una vez que la misteriosa niebla alcanza la ciudad, advertidos por un ciudadano abatido por la situación acerca de que hay cosas desconocidas dentro de esa niebla.

La película expresa la sensación de impotencia y claustrofobia frente a un enemigo invisible que parece acechar más allá del descreimiento de algunos; también la acción frente la desesperación y la imposibilidad de explicar qué es lo que sucede, tornando las cosas en una especie de “Señor de las Moscas” (1963/1990) pero en medio de la civilización.

Tomando el frente de esto se encuentra la Sra. Carmody (Marcia Gay Harden), una fanática religiosa con ciertos signos de psicosis a la que la gente local conoce como “la loca del pueblo”.

Si bien la película es protagonizada por Thomas Jane, y siendo su performance más que efectiva para el rol, tampoco es algo que resalte particularmente de los otros personajes. Su situación es la de un padre de familia desesperado por sacar de allí a su hijo y nada parece detenerlo.

La película la roba Marcia Gay Harden, muy a pesar de algunos espectadores, ya que su rol consiste básicamente en hacer enojar a la audiencia con sus interminables diatribas religiosas. Y he aquí lo que sucede: Lo logra magistralmente. Este no es un espacio para hablar de convicciones religiosas, así que lo mantendré corto: Tanto si crees como si no crees, la Sra. Carmody te va a llegar hasta las entrañas; personalmente despertó en mi un odio gutural que solo puedo atribuir a la personalidad del personaje y sus palabras que lindan en lo psicótico; y esto, Gay Harden lo logra a través de una impecable actuación.

La fotografía, proporcionada por Michael Applebaum no es nada del otro mundo, y los efectos de iluminación tampoco cuentan más de lo que precisan, simplemente otorgan a la historia su complemento justo. Ahora bien, los efectos especiales a manos de CafeFX funcionan efectivamente en complemento con su personaje real principal: La niebla.

Los monstruos que habitan en ella son desagradables, lindando en lo realista, lo que (fuera de los bichos más grandes) agranda la sensación de que algo así pueda realmente suceder, pero lo realmente grandioso de la película no se encuentra en sus efectos.

Si en la relación que todos los personajes mantienen con la Niebla, como dije previamente, la sensación de claustrofobia y ansiedad que transmiten es tangible, y la tensión puede sentirse en la misma sala de proyección. El dramatismo de la historia culmina en el fuerte y climático final, que difiere del final de la novela. Sin embargo, el mismo King ha dicho que esta muy satisfecho con los minutos finales de “The Mist” y que ojalá a él se le hubiera ocurrido antes.

Con 126 minutos justos, esta película entretiene desde el principio y te mantiene sobre el borde del asiento expectante, en medio del desconocimiento, jugando con el espectador como si fuera uno más de los que se encuentran dentro del mercado, esperando la muerte o el deseo de salir de allí lo mas rápido posible.

Veredicto: RECOMENDABLE

The Happening (2008)

2008-07-02T21:15:00.000-07:00

"Fallaremos en entender que hay fuerzas que trabajan mas allá de nuestro entendimiento"

Elliot (Mark Wahlberg) es un profesor de ciencias naturales en cierta secundaria de Philadelphia a donde les llega la comunicación de cierto evento por el momento desconocido; resultará ser, sin conocimiento de los personajes (pero si de la audiencia, que pudo presenciar lo que sucede desde la primer escena), algo que hace que las personas se suiciden.

Todo parece indicar que ‘el evento’ que se le ocurrió a M Night Shyamalan mientras apreciaba su cabellera frente al espejo del baño no es más que eso mismo. Un evento. Vamos a aclarar esto: La Real Academia Española define “evento” como una “eventualidad, hecho imprevisto”.

La nueva obra del una vez ganador del Oscar a Mejor Director por Sexto Sentido (1999) se trata, como ya habrán adivinado, de eso: una eventualidad imprevista. Al parecer sobrenatural, como ya estamos acostumbrados a recibir de éste director.

No hay ningún otro material con el que presentar la película; sinceramente, así que vamos derecho a ver que pasó.

Primero que nada: las actuaciones. La siempre sexy-en-su-propio-estilo Zooey Deschanel (Alma) hace lo que puede para revivir un papel que se encuentra prácticamente muerto desde el principio. Wahlberg es un actor muy capaz, pero esta vez no puede salirse con la suya; y el problema es que el guión no ayuda para nada. Su personaje no es un heroe, ni un anti-heroe; simplemente existe, como “el hecho”, simplemente es, un Juan Pérez cualquiera al que no parece sucederle nada interesante.

El guión: La historia simplemente es mala, no tiene ningún tipo de inspiración, los diálogos son banales y los actores se ven forzados a decir estupidez tras estupidez para contentar a un director que no parece perderles de vista ni un momento; y que obviamente nadie intenta sacar de su casita de cristal donde todo parece perfecto.

Seamos sinceros: “The Happening” es una película de miedo. Se supone que da miedo. Cuando el elemento de shock es el viento que sopla, estamos en problemas.

No solo se trata de sobre simplificar y tratar a la audiencia como asnos, de lo cual parece que la gente se aburre rápido, sino que las teorizaciones que surgen de parte de los personajes insultan a la inteligencia lógica de cualquiera que haya prestado atención por mas de 20 minutos a la pantalla.

Eso nos lleva al punto siguiente: los personajes. El hecho de que la película tenga un inicio tan abruto no permite que los personajes se desarrollen particularmente. Simplemente tenemos a A y B, que se unen con C y D para escapar de X situación; D muere y a nadie le importa, mientras A, B y C continúan su camino para salvarse, muy a pesar del interés de la audiencia.

La frase que destaco de ésta película se basa en un diálogo que el personaje de Wahlberg sostiene al principio de la película con su clase de estudiantes “a veces no podemos explicar los eventos de la naturaleza”.

Toda la historia tiene su base en ésta frase. El problema es que: no es suficiente. En absoluto. Shyamalan debería tomar serios apuntes de Frank Darabont y Stephen King, quienes con “La Niebla” tuvieron la oportunidad de formar la misma premisa (un evento que sucede sin previo aviso ni a los personajes ni a la audiencia) y la hicieron funcionar en un nivel mucho mas interesante y escalofriante.

Resumiendo: “The Happening” se siente forzada, sin ningun tipo de inspiración, los personajes son prácticamente inexistentes (ya que a nadie le importa lo que sucederá con ellos), el guión deja MUCHO que desear y la dirección si bien no es mala, no es innovadora ni espectacular, y no hace nada por salvar este desastre de película.

Lo único que me mantuvo sentado por 90 minutos fue querer ver formas innovadoras en las que la gente se conducia a si misma a la muerte; y realmente, no son tantas. Tal vez este no sea "El Fin De Los Tiempos", pero tal vez sea el fin de Shyamalan, y por acá nadie lo va a extrañar.

Veredicto: Evitar como la plaga

Diary Of The Dead (2007)

2008-06-30T17:35:00.000-07:00

"¿Valdrá la pena que nos salven?"

En el nuevo proyecto de George Romero, Jason Creed (Joshua Close) y sus amigos se encuentran filmando un proyecto universitario de terror con su profesor en los bosques de América, mientras que ese mismo día, los muertos comienzan a despertar y a crear un caos en la sociedad mundial del cual nadie parece estar a salvo. Jason, su amigo Tonny (Shawn Roberts) y los demás cargan las cámaras en sus hombros y se deciden a documentar todo el evento, cueste lo que cueste.

Muy de vez en cuando, la audiencia se somete a un trabajo artístico (o intento de) muy particular. Perspectivas de los personajes, protagonistas de los fenómenos normalmente sobrenaturales que contrastan el crudo sentido de realismo de una cámara dinámica, en movimiento, con un cameraman que se ocupa de establecer un diálogo entre los personajes, e incluso con la audiencia; estableciendo una nueva forma de hacer al hecho de ver una película ya no tan solo un hecho sino una experiencia de la que uno forma parte activa.

Ya de esta nueva forma de atravesar la cuarta pared ha sido pionera “The Blair Witch Project” (1999) cosechando tanto críticas como admiración por este tipo de innovación. Sea uno admirador o no, hay que concederle el crédito de la innovación; mas allá de quien este acostumbrado o prefiera la forma clásica omnipresente de filmar una historia.

Pero cuando este tipo de películas comienza a aparecer más de una vez cada varios años, y sobre todo cuando tenemos dos en menos de doce meses (“Cloverfield” y “Diary Of The Dead”) que no se orientan ya al posible “shock factor” o al valor cinematográfico que puede otorgar una cámara casera sino a una generación actual de fanáticos de YouTube y MySpace; que observan lo que podríamos comenzar a llamar “realidad” desde la perspectiva de sus monitores, en cualquier tipo de resolución desde lo más alto hasta lo menos aceptable; entonces me parece que nos encontramos en un problema. Aclaremos algo en este momento: De todo el estilo de "hand held cameras", "Diary Of The Dead" es ciertamente la mejor hasta la fecha... tiene mucha mas estética que cualquier cosa que haya salido previamente (y nos estamos refiriendo obviamente a "Cloverfield" y "Blair Witch"), que si bien le quita un poco de crudo realismo absoluto de una camara distorcionada y llena de movimiento que nos hace pedir una cajita de aspirinas junto a las palomitas y la gaseosa, ayuda a que la experiencia sea mucho mas disfrutable; tal vez los realizadores deberían tomar nota de Romero y entender que el tema de la "hand held camera" esta pasando de moda muy rápido, y esto es por una y solo una cuestión: No satisface a la audiencia.

El problema de “Diary Of The Dead” es que no ofrece nada de valor. El guión, escrito por Romero mismo esta absorto de todo tipo de contenido, si bien presenta una oportunidad bastante única para una premisa interesante, el final tan abierto y débil da como consecuencia una sensación de mal sabor de boca que debe haber sentido Romero mismo al no tener ni la menor idea acerca de cómo cerrar la premisa que tan inteligentemente supo crear.

Es que, lamentablemente, la historia esta muy bien escrita, pero los diálogos son inocuos, el objeto de interés parece ser mucho más la cámara misma que los fenómenos que le suceden alrededor, y los actores no hacen nada para zafarse de las líneas descorazonadas que deben pronunciar: “If you kill us, then you’ll have to kill us”. Por Dios…

Parece, con todas las de la ley, que el Departamento de Maquillaje y Efectos Especiales se esforzó más que el mismo Romero para darle algun tipo de valor sanguinario a la historia.

Justamente, si ven la película, háganlo no sólo por lo que significa George Romero para el mundo del cine gore, sino por los excelentes efectos que irónicamente dan vida a las muertes de los muertos vivos (que funcionan a un nivel casi cómico de vez en cuando).

Ya todos, y sobre todo los que seguimos a Romero, conocemos las metáforas de los muertos vivos para recrear una sociedad muerta por dentro pero que continúa en funcionamiento más allá de la deshumanización de quienes la componen; pero “Diary Of The Dead” no esta muy segura si corrobora esta metáfora de la moral, le agrega una crítica a la tecnología como medio de comunicación o es simplemente una burla de todo eso.

VEREDICTO: Alquilable

Be Kind Rewind (2008)

2008-06-29T14:31:00.000-07:00

"Tu lo pides, nosotros lo filmamos"

“Be Kind Rewind” cuenta la historia de Mike (Mos Def, “16 Blocks”, “Hitchhinker’s Guide To The Galaxy”), gerente temporal a cargo de la tienda de videos del Sr. Fletcher (Danny Glover, “Saw”, “Lethal Weapon”), y su amigo Jerry (Jack Black, “Tenacious D”, “School of Rock”) que a traves de un incidente se encuentra con su cuerpo totalmente magnetizado. Así es como los amigos deberán, tras descubrir que se han borrado todas las cintas VHS de su videoclub, embarcarse en una realización continua de rediciones de películas clásicas para satisfacer a sus clientes.

En esta ocasión, la obra de Michel Gondry (“The Science of Sleep”, “Pecan Pie”) no esta a la altura poética o filosófica de su anterior trabajo, sobre todo refiriéndome a la historia de “Eternal Sunshine Of The Spotless Mind”, pero este pequeño tributo a las películas clásicas desde una perspectiva casera, con una intención notablemente sincera y cálida, funciona también en un par de niveles.

Esta película independiente tiene toda la intención de recordarnos los orígenes de la industria cinematográfica, los efectos especiales y la calidez y sinceridad de algunos cineastas que solo buscan traducir su arte en expresión visual mas allá del presupuesto que obtengan.

Y la palabra clave para esto es una cualidad que muchos hemos olvidado y dejado de lado desde la cuna, por no ser funcional con este mundo que muchos intentan pintar de color gris y que se encuentra controlado por grandes industrias corporativas: CREATIVIDAD.

“Be Kind Rewind” es una de esas películas que toca en algún lugar especial a aquello que sienten el cine desde otro lugar. No se trata de héroes ni anti-héroes, de criminales, villanos, super poderes o lo justo en el momento indicado.

Simpleza. La simplicidad de los personajes tanto en su forma de pensar como en sus ambiciones, sus deseos y amenazas forma parte de la tierna y sutil belleza de ésta película; que promete una sublevación casera a la industria cinematográfica como negocio pero que sin embargo cae en el terreno de un homenaje a lo clásico y lo popular (y nada más).

Aquellos días en los que el DVD no estaba instituido (yo sigo poseyendo una maquina reproductora de VHS sobre mi DVD player, y es muy probable que continúe allí un buen tiempo), y era el formato Beta o VHS el que regía nuestros deseos de ver una película. El hecho de tener que rebobinar o adelantar partes, siempre atento a lo que nos podamos perder, o el hecho de apagar el televisor y estar 5 minutos escuchando el sonido de la cinta retroceder (si tu maquila era suficientemente rápida) para devolver la película como lo hace una persona de bien: rebobinada hasta el final.

Sin menús, control remoto ni extras de los cuales elegir; el ritual de ver una película, sintonizar algún posible desfazaje de la cinta y disfrutar de la misma con una calidad menor a la que ya todos estamos acostumbrados.

A todo esto tiene sabor esta a veces demasiado simple película. Es prueba también de que a Jack Black le corresponden estos roles, que recuerdan específicamente a películas como “High Fidelity”; mientras que Mos Def no tiene ninguna complicación para cubrir su acento británico y hacer el papel de Mike, a veces haciéndonos sentir un poco confundidos con su simpleza y su naturaleza calma y un poco tonta que sobreviene en los momentos mas aburridos de la película (de los cual hay varios), aunque tiene momentos de increíble personalidad, demostrando la fortaleza de su rol.

Hay que destacar, también, el papel de Danny Glover, del cual uno no esperaría demasiado, sin embargo, en cuanto a su personaje con una mayor importancia que el de Mia Farrow, el cual tiene bastante poco sentido dentro de la obra, demuestra de una buena vez que es capaz de actuar y sobrecoge la ternura de su interpretación.

Para los que nos criamos en los ‘80s, estos 110 minutos tocarán alguna cuerda especial; terminando la experiencia como testigos de un indescriptible dejo de felicidad y confort dentro nuestro; como si, a pesar de las fallas de las que hace gala, fuera algo que necesitaba hacerse y que estamos contentos de haber presenciado, aún cuando el punto mas destacable de la película contenía el hecho de presenciar las reediciones caseras de los clásicos; que lamentablemente tuvieron mucho sabor a poco, y ciertamente hubiera querido ver todavía más.

Veredicto: Para ver una vez

Decálogo del RANKING

2008-06-29T12:44:00.000-07:00

A pesar de subrayar el hecho de la subjetividad de mi opinión, pensando un poco, me doy cuenta que es imposible no poner una puntuación final a una película.

Con el simple hecho de que uno busca una opinión ajena, como referente para ver o dejar de ver cierta película, el hecho de la existencia de una puntuación objetiva ayuda a que todo esto sea un proceso mucho mas sencillo.
A cualquier cinéfilo le recomiendo, que mas allá de la puntuación y opinión de cualquier critico profesional o aficionado, vea la película que se propone. Sólo de ésta forma es posible ganar experiencia en el campo y tal vez sentirse mas realizado como cinéfilo.

LA PUNTUACION DE CAFE (de medio cafe a cinco cafes) ES INDEPENDIENTE PERO COMPLEMENTARIA AL RANKING ESCRITO.

Esto es para ayudarlos a decidir mejor mas allá de mi recomendación personal.

Sin embargo, no todas las personas buscan llenarse la vida de películas, y para ellos y quienes buscan una opinion objetiva, traduzco aqui el sistema de RANKINGS que se utiliza en la página

5. MUY RECOMENDABLE
4. RECOMENDABLE
3. PARA VER UNA VEZ
2. ALQUILABLE
1. MUY POCO RECOMENDABLE
0. EVITAR COMO LA PLAGA

5. MUY RECOMENDABLE

La puntuación más elevada. Esta se reserva a peliculas que alcancen un nivel de realización artística que la convierta en un clásico del séptimo arte. Es muy probable que ellas no abunden, pero cuando las hay, no podes dejar de verlas. Sobre todo si realmente disfrutas del cine.

¿Que quiere decir?
Que si la podes ver en el cine, ¡vela!. Si la podes rentar, ¡rentala!. Y definitivamente, si la podes comprar, no dudes que formará una valiosa parte de tu colección.

4. RECOMENDABLE

Esta puntuación refiere a lo que podrían llamarse 4 estrellas, o 3,5 también si se quiere. Es para velra en el cine, es para alquilarla, y si uno tiene una coleccion de peliculas, tambien querra considerar comprarla, dependiendo de sus gustos personales.

3. PARA VER UNA VEZ

Este punto merece una salvedad. Nos referimos a ver una vez en el medio que sea. "Para ver una vez" significa que puede verla en su casa o puede ir al cine; lo mas probable es que disfrute de la pelicula, pero que su contenido tal vez no sea tan interesante como para llamarlo nuevamente a verla otra vez, ni en el cine ni en casa.

No significa que la pelicula sea mala o digna de no ser vista, sino todo lo contrario, pero es probable que se satisfaga completamente luego de haberla visto una vez.

2. ALQUILABLE

Otro punto que merece una salvedad. Al referirse a una pelicula "Alquilable" significa que sera efectiva si la ve con su pareja o con su grupo de amigos un viernes a la noche. No espere de este tipo de peliculas una gran verdad, el descubrimiento del septimo arte en su maxima expresion, dialogos profundos ni fotografia excepcional; si tal vez llene sus ojos de efectos especiales, explosiones, balas, risas o el disfrute de 90 minutos de compartir en familia.

Y esto, obviamente, no es malo.
Tal vez considere otros medios (parche en un ojo) para conseguir este tipo de peliculas.

1. MUY POCO RECOMENDABLE

Es probable que varias películas caigan en esta categoria; una pelicula que no sirve a ningun nivel, no es entretenida, no da miedo, no da risa, tal vez si un poco de lastima. Puede verla y puede encantarle, puede verla y puede odiarla, puede verla y pedirme mi direccion para golpearme directamente en la nariz; pero yo no perderia el tiempo viendo esto de nuevo.

0. EVITAR COMO LA PLAGA

Lamentablemente, hay algunas pocas (en relacion porcentual con el total de peliculas por año) peliculas que no se merecen siquiera un espacio en este blog desconocido por 99,99999999999 % de la población mundial.

Vea este tipo de peliculas bajo su propio riesgo; y vaya al cine esperando sentir que tiró su dinero a la basura.

Crash (2004)

2008-06-28T10:19:00.000-07:00

"Piensas que sabes quien eres. No tienes idea."

Sandra Bullock ("Speed", "The Net") es Jean Cabot, la mimada esposa de Rick Cabot, Fiscal de Distrito de Los Angeles (Brendan Fraser, "Airheads", "School Ties") quien deberá lidiar con su reputación en una ciudad repleta de problemas raciales. Don Cheadle ("Reign Over Me", "Hotel Rwanda") representa al detective negro Graham Waters, quien junto a su compañera hispana, Ria (Jennifer Esposito, "Summer Of Sam"), se encontrarán en la escena de un accidente: un choque automovilistico. Evento a partir del cual se entretejerán siete historias en relación no precisamente evidente, que también tendrá por protagonistas a su hermano ladrón, un policía racista (Matt Dillon, "There's Something About Mary") y su compañero idealista (Ryan Phillipe, "Gosford Park", "Cruel Intentions"); dos ladrones de autos; una familia del medio oriente; un cerrajero hispano con su hijita que teme a las balas, y un cameo de Tony Danza.

Paul Haggis ("In The Valley Of Ellah") debuta como director tras una muy extensa experiencia como escritor; como tal, ha escrito no solo "Crash", sino también"Letters From Iwo Jima", e "In The Valley Of Ellah", también el guión de "Flags Of Our Fathers", "Million Dollar Baby", "Casino Royale", y "Quantum of Solace", las nuevas películas que reivindican la saga de James Bond. Es imposible decir que Haggis no conoce su arte; es un dotado escritor, altamente renombrado en el ambiente y apreciado altamente por gente como Clint Eastwood, y al parecer, odiado por David Cronenberg, por haber utilizado el mismo título que su película de 1996, basada en el libro de J.G. Ballard. Vale aclarar que una no tiene nada que ver con la otra.

Jamas creí que Sandra Bullock estuviera a la altura de un buen drama; y esta película no lo confirma, pero no necesariamente lo descarta, ya que incorpora demasiados elementos del genero policial como para realmente considerarse un drama.

La casi cómica relación entre Anthony (el rapero Ludacris) y Peter (Larrenz Tate) fue mi placer culposo. Ciertamente me encontré esperando a que la dupla aparezca nuevamente en escena pues disfruté sinceramente de su química y sus pequeños debates sin demasiado sentido acerca de la sociedad americana.

Siendo esta el primer intento de Haggis en la dirección, es más que válido el esfuerzo, sin embargo es imposible pedirle una dirección con marca registrada desde su primer intento; por lo que con todas las de la ley, debería decirse que la dirección es regular, por mas que se trate de su propia historia y nadie mejor que el mismo Haggis para poner en acción su propio cuento. De esta forma, no es viable creer que otro lo hubiera hecho mejor; esta es la idea de Paul Haggis, y esta es su máxima expresión.

El dialogo esta demasiado basado en el tema del racismo; entendiendo que esta sigue siendo una problemática actual, no estoy seguro cuan diario debe ser esto en la realidad, como para hacer un problema tan grande al respecto.

Hay que decirlo: Las actuaciones son de primera. Matt Dillon y Terrence Howard (como el director de cine Cameron Thyer) le agregan varios aspectos a la historia con la cual no cuentan la mayoría de los personajes. Y este es un problema principal de la pelicula, los personajes carecen de cualquier tipo de profundidad, desde la Sra. Cabot hasta la pequeña hija del cerrajero que solo funciona en esta pelicula como una simpatia de la cual no conocemos mas que su, al parecer unico miedo. El resto de ellos funciona manipulativamente mostrando la irrealidad de sus situaciones.

Parece ser que Dillon y Howard se esforzaron por proveer de otra perspectiva a sus personajes; por ejemplo, no tenemos sólo al policía racista que no puede mantener una conversación sin un comentario racial, sino que tambien observamos su sentido de justicia (bastante ajustado a la realidad) y su preocupación emotiva por su padre enfermo. Por otro lado, Howard no solo se muestra personificando al director de cine Thyer; sino que podemos observar su lucha por sobrellevar el derrotismo y el querer complacer a todos, intentando formar dentro de si una independencia de los demas... esto puede verse en cámara y le da circularidad a uno de los pocos personajes por los que uno puede sentirse genuinamente preocupado.

Los demas actores parecen obedecer a Haggis al pie de la letra; interpretando papeles unidimensionales que carecen de realismo y por lo tanto, no podemos hacer nada porque realmente nos importe que le sucede a esos personajes.

Mas alla de todo lo que se ha dicho, esta no es la mejor historia que Haggis ha escrito; si bien es funcional para un viernes a la noche.

Veredicto: Alquilable

Al parecer Paul Haggis se encuentra hoy por hoy en la pre-producción de una mini serie (?) basada en esta su primer dirección, ganadora de 3 Oscars, otros 38 premios y 66 nominaciones.
La verdad, no estoy muy interesado al respecto.

Trainspotting (1996)

2008-06-27T09:52:00.000-07:00

"Quien necesita razones cuando tienes heroína"

Mike Renton (Ewan McGregor, "Star Wars (Eps. 1, 2 y 3)", "Robots", "Big Fish", "The Serpent Kiss") es un adolescente con una decisión. Él no va a sujetarse a las banalidades que hacen a la vida de la gente normal; elige no tener una vida, elige el camino de las drogas pues realmente inyectarse heroína y dejarse llevar es una solución mucho mas sencilla a la vida que sacar un préstamo o abrir un depósito.

Sin embargo, junto a su grupo de "amigos" conformado por lo más bajo de Edinburgo, descubrirán que la salida "mas sencilla" no es lo que parece, y todo tiene un precio.

El segundo intento del director Danny Boyle ("The Beach", "28 Days Later") para la pantalla grande, fue la adaptación de la cruda novela de Irvine Welsh; una mezcla de surrealismo y situaciones que se revuelven frente a las narices del espectador con apacible normalidad pero que no dejan de transmitir un dejo de lástima y compasión por todos los personajes.

El elenco es de primera, por supuesto, contando con las actuaciones de Robert Carlyle ("28 Weeks Later", "Eragon", "Hitler", "The Full Monty", "The World Is Not Enough") como Begbie, el adicto a la bebida y a la violencia, Ewen Bremner ("Death At A Funeral") como Spud, el bobalicón del cual nadie puede evitar sentir simpatía, Jonny Lee Miller ("Hackers", "Mansfield Park") como Sick Boy, traficante degenerado fanático de Sean Connery y Kevin McKidd ("Made of Honor") como Tommy, el deportista straight-edge cuya satisfactoria vida personal se derrumba a pedazos gracias a la amistad con estos personajes.

Ya antes de ofrecernos su titulo principal, la película comienza con uno de los discurso más memorables del cine de los 90's a manos de un excelentemente retratado Renton, acerca de las banalidades de la vida cotidiana y su deseo de escapar de la realidad. Y al presentarnos, lentamente a sus personajes principales, uno puede sentir la química de desconfianza y deshonor que se presenta continuamente hasta el climax en el final de la pelicula.

La realidad es que Danny Boyle, con ayuda del Departamento de Arte, encargados de construir algunos de los escenarios mas grotescos de la realidad escocesa y de bandas que prestaron sus derechos para ambientar, excelentemente, las situaciones de surrealismo como Iggy Pop, New Order, Blur y Lou Reed, con la cuota de un barroco Bach que solo agrega a la formula, ha podido traspolar esta novela a una realidad escapista que rosa con la ficción pero se siente tan plausible como surrealista.

Todos los actores, destacando la actuación Ewan McGregor y Robert Carlyle (no sorprende que hoy sean dos de los actores modernos mas realizados de Escocia), no hacen mas que adentrarnos en este mundo bizarro, del cual como espectador no puede uno dejar de sentir asco, incluso nauseas, pero también un dejo de cariño inexplicable por cada personaje, al punto de querer verlos triunfar en sus malos hábitos hasta el final.

Esta película casi carece de explicación, pues toda intención de ponerla en palabras solo juega en contra de la experiencia visual y auditiva que significa verla sin esperar dejos de moral ni lecciones de vida; simplemente experiencias que tienen tanta posibilidad de salir bien como no, y es en este mundo degradado y gris de un demacrado Renton y sus secuaces, que otorga la belleza surrealista que caracteríza esta película.

Veredicto: Muy Recomendable

Café y Cigarrillos

2008-06-27T08:12:00.001-07:00

Dos de las sustancias legales adictivas que median las relaciones humanas.

Cafe de por medio, discutimos nuestras pasiones, nuestros avivados sentimientos en oposición o acuerdo, posibles declaraciones de amor o la situación más reciente que ha pasado por nuestra vida, a la que solo le falta un reel de 8 mm. para asemejarse a veces a la ficción.

Con un cigarrillo apagamos esas ansias ya sea por malestar o el simple deseo de otra colilla sobre nuestros labios; tambien median y apaciguan candentes debates sobre la última nimiedad de nuestra existencia.

La benevolencia del cafe y los cigarrillos hace a las relaciones humanas. A falta de lo que sea que llene de toxica pasion nuestro ser, el cine cumplira la funcion; al solo precio de la exclusiva atencion y devocion que exige el arte para su introyección más sublime.

Y del mismo intentaremos sacar todo el jugo que permita; mas alla de su denominacion, no es este un espacio exclusivo para el desarrollo de lo independiente; si es, sin embargo, un viaje a traves de la subjetividad apreciativa de un fanatico del séptimo arte.